France • 2025 • 56′         entrée : 5€/3€  – 18 ans : entrée libre

De Dunkerque à Boulogne-sur-Mer, entre les barbelés qui longent l’autoroute A16 et les plages, des milliers de personnes en exil patientent dans des camps de fortune. Habitants, réfugiés et militants, tous voient leur quotidien bouleversé par cette frontière contaminée par la militarisation, la colère et la mort.

Thomas Grandrémy :

Formé au BTS Audiovisuel à Rouen en 2010, Thomas Grandrémy s’installe à Paris et travaille comme chef-monteur sur différents formats, du court métrage fiction à la publicité en passant par le documentaire audiovisuel.

En 2018, il se lance dans un premier documentaire audiovisuel en tant que réalisateur avec Les Délivrés, un film traitant des conditions de travail des livreurs à l’heure de Deliveroo et Uber Eats. Depuis 2024, Thomas poursuit son prochain projet, Tomorrow UK Inch’allah dans lequel il s’intéresse à l’immigration dans le territoire des Hauts-de-France, après avoir œuvré un certain temps dans les réseaux associatifs.

Thomas Grandrémy signe à chacun de ses films une proposition filmique singulièrement engagée et humaniste.

(Source : Festival International Jean Rouch – Voir autrement le monde. Notice biographique mise à jour en avril 2026)

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En première partie :

« Les îles de Bugueles » Simon Guiochet

France • 2026 • 30′    

sortie de résidence Simon Guiochet et Franck Lawrence.

En présence du réalisateur Simon Guiochet

Sur l’estran de Buguélès, une silhouette se dessine à l’horizon. Elle chemine d’un pas pressé sur les pierres instables, car la marée n’attend pas.
Son corps glisse d’une île à l’autre au gré des rencontres, en quête de mémoire et de réappropriation d’un paysage au bord du monde, en proie à la disparition.
Ce film, entre documentaire et film expérimental, explore et interroge notre rapport contemporain à ce bien commun riche et fragile qu’est l’estran.

Tourné en pellicule 16mm N&B et Super8 couleur

Artiste de l’image en mouvement et programmateur d’art vidéo, il est co-fondateur de L’Œil d’Oodaaq, association pour la diffusion de l’art vidéo, et créé en 2011 le Festival Oodaaq. Il en assure dorénavant la direction artistique et propose des programmations vidéo, débats, conférences, ateliers de création auprès de divers publics autour de l’image en mouvement. Parallèlement à son travail de programmateur vidéo et intervenant, il développe sa pratique artistique autour de la relation entre le corps en mouvement, la création d’images et le paysage.C’est par le geste produit lors de performances vidéo ou d’installation qu’il recherche la matérialité de l’image afin de la faire basculer d’un statut de représentation d’un espace à celui d’outils de suggestion et d’imaginaire. Pour cela il explore les procédés et limites de l’image en mouvement en utilisant aussi bien la vidéo numérique, que le gif ou la pellicule, à travers des sculptures, installations, vidéos, films ou performances lives. Le clip Desert eyes du groupe (Thisis) Redeye qu’il a lui-même remixé est à visionner sur KuB !

En deuxième partie :

« Dithyrambe pour Dionysos » de Béatrice Kordon
France • 2007 • 56′

Dionysos le dieu du vin, fils de Zeus et d’une simple mortelle, est l’être le plus singulier de la mythologie grecque. Mi-homme mi-dieu, ni homme ni dieu, tout à la fois mortel et immortel, Dionysos nous ouvre à un monde où les identités ne sont pas tranchées et le temps non linéaire. Au-delà de l’histoire, le film cherche à retrouver le sens du geste mythique – créer un récit intemporel, an-historique, nous parlant des rapports que l’homme entretient avec le monde.

Béatrice Kordon : Après une formation de chef-opératrice à la Fémis, Béatrice Kordon s’oriente rapidement vers la réalisation de films qui explorent et interrogent l’écriture cinématographique elle-même. Ses films se situent ainsi à la croisée des pratiques documentaires, du cinéma expérimental, de la création sonore et des arts plastiques, travaillant leur narration comme un tissage de trames multiples et de sources variées — vidéo, pellicule, photos, peintures, archives…Elle a notamment réalisé, « Héros Désarmés » en 1997, « Tu crois qu’on peut parler d’autre chose que d’amour » en 1999, en coréalisation avec Sylvie Ballyot, ou encore « Dithyrambe pour Dionysos » en 2007 et « Les Insensés » en 2014.

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France • 2025 • 38′ ,                                  entrée : 5€/3€,  – 18 ans : entrée libre

En présence de la réalisatrice

« Dans le cadre d’une résidence « l’Art dans la Ville » accueillie par la Médiathèque et la Mission Art Public de la ville de Saint-Nazaire, j’ai embarqué à bord du bibliobus pour quelques mois. Au fil des traversées, j’ai filmé le défilé des enfants curieux, des habitués silencieux, des lectrices fidèles. J’ai partagé le travail quotidien des bibliothécaires, engagé des petites conversations avec les gens, capté des portraits instantanés. Pour fabriquer un livre d’images et témoigner ainsi du petit théâtre de l’ordinaire, banal et poétique, qui se joue dans le bibliobus. Tandis que le monde « à l’extérieur » traverse des crises sociales et culturelles, le bibliobus trace sa route dans la ville et rappelle, modestement, que la lecture publique et l’accès à la culture ont encore toute leur place. »
(Tesslye Lopez)

« Croquantes » Tesslye Lopes et Isabelle Mandin

France • 2022 • 60′

Lors des réunions mensuelles avec Émilie, l’animatrice du Groupe Femmes, les agricultrices se découvrent. Elles apprennent de leurs différences, se forment et débattent. Elles puisent de la force dans leurs expériences communes. Ensemble, elles vont explorer de nouveaux champs des possibles, oser dire et questionner un modèle agricole qui peine à leur laisser une place qui leur convient. Ces croquantes des temps modernes vont joyeusement se saisir de leurs histoires pour créer de nouvelles solidarités et ouvrir les imaginaires.

Tesslye Lopes :

Je suis cinéaste, cadreuse et monteuse de documentaires. Dans mes films, j’explore les territoires, donne voix aux invisibilisées et questionne l’engagement politique.

J’ai réalisé Habitantes (2021) et Croquantes (2022) avec Isabelle Mandin produit par Les Films Hector Nestor. Deux films qui, interrogent la place des femmes sur leur territoire de vie . Croquantes m’a menée jusqu’à l’Assemblée Nationale pour porter la parole des femmes rurales au cœur du débat politique.

Accueillie régulièrement en résidence, j’expérimente d’autres formes d’écriture documentaire, toujours en lien avec les territoires : Un Certain jour de Passage – film réalisé dans le bibliobus de la ville de Saint-Nazaire – est finaliste du Prix Scam 2026 ; Les Grands Ensemble – tourné dans un immeuble HLM en rénovation -est sélectionné pour Bourse du Talent #54.

Je collabore également avec le monde du théâtre. J’ai fait la création vidéo de la pièce mise en scène par Marine de Missolz Le Camion de Marguerite Duras, produit par le Théâtre National de Strasbourg. Je signe avec le photographe Jérôme Blin un film photo-poème autour de la chorégraphie 100 cœurs, produit par le Théâtre de Saint-Nazaire, scène nationale.

Actuellement, je prépare Les Murs Invisibles, un documentaire sur l’inclusion dans le monde culturel.

Contact : tesslye_lopez@hotmail.com

Isabelle Mandin écrit, filme et monte des images documentaires. Ses films s’intéressent essentiellement à la place des femmes sur leur territoire de vie.
En 2019, son film court « Ya Hesra » est sélectionné au festival de cinéma de Douarnenez. En 2021, sort en salle « Habitantes », produit par les films Hector Nestor, qu’elle co-réalise avec Tesslye Lopez puis « Croquantes ». Ces deux moyens métrages ont bénéficié d’une diffusion nationale en salle. « Croquante s» a été sélectionné aux Estivales du festival Premiers Plans à Angers, au festival Alimenterre en Belgique avant d’être diffusé sur France 3 Pays de la Loire.
« Saisonnières », son dernier documentaire, est accompagné par Emmanuelle Jacq de Mille et Une Films et co-produit par France Télévisions. Ce projet est lauréat du Parcours d’Auteurs du Pôle Cinéma des Pays de la Loire et bénéficie du soutien des régions Bretagne, Pays de la Loire, de la Procirep Angoa.
Elle collabore régulièrement avec le spectacle vivant et le théâtre contemporain. Elle a signé la création vidéo du spectacle « Au milieu de l’hiver, j’ai découvert en moi un invincible été » de l’autrice et metteuse en scène Anaïs Allais. Ce spectacle a notamment été joué au Théâtre National de la Colline et au ZEF à Marseille.
Pour la metteuse en scène Elise Vigier et le CDN de Caen, elle co-réalise avec Anaïs Allais un format court intitulé « A regarder les poissons ». Cette création accompagne la diffusion du spectacle Anaïs Nin au miroir d’Elise Vigier.
Actuellement, elle travaille et expérimente avec l’auteur et metteur en scène Hervé Guilloteau des petites formes documentaires autour de ses textes.

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Belgique • 2024 • 86′,     Entrée : 5€/3€, – 18 ans : entrée libre

En présence de la réalisatrice

Mariem, 53 ans, ancienne agente immobilière, vit au Samu Social depuis plusieurs mois. Entourée de femmes bien plus précarisées qu’elle, Mariem s’efforce de vivre cette chute sociale inédite comme une immersion dans la vraie vie. À sa sortie, son regard sur le monde aura définitivement changé, enrichi par toutes ces femmes qu’elle aura rencontrées sur sa route.

« Mariem, la cinquantaine, vient d’atterrir dans un centre d’hébergement d’urgence logé au cœur de Bruxelles. Pour échapper à la violence d’un compagnon, Mariem a dû quitter une vie confortable. Puis tout est arrivé très vite : la chute, l’exclusion, la rue. Cet abri d’urgence, le Petit Rempart, est une première étape vers une reconquête d’une existence digne. Dans cet espace, fragile bouclier contre la misère, Mariem croise d’autres femmes, d’horizons et d’origines diverses. Cathy, Loubna, Seri… chacune a son histoire. Souvent, elles ont subi les brutalités d’un conjoint qui leur ont laissé des marques visibles ou non. Toutes sont en lutte pour retrouver une vie ordinaire. Mariem est forte pour elle-même et les autres. À ses côtés, la cinéaste Ève Duchemin mène tous les combats. Volontaire et attentive, sa caméra épouse la cause de son héroïne, l’accompagnant dans un chemin de retour vers la lumière, tout en dévoilant les rouages de l’exclusion. Un portrait puissant de résilience au féminin. »
(Katy Léna Ndiaye – Visions du Réel)

Née à Paris, Ève Duchemin étudie l’image à l’Insas (Bruxelles) dans les années 2000. Elle réalise en Wallonie plusieurs films documentaires dont elle signe l’image. Ghislain et Liliane, couple avec pigeons (2005) dresse le double portrait d’un couple de personnes âgées dont la vie fut marquée par la colombophilie. La réalisatrice continue de filmer cette pratique comme mémoire ouvrière pour le moyen métrage Mémoire d’Envol (2007). Elle mêle fiction et documentaire dans Le Zoo, L’Usine et la Prison (2006), qui montre le lien étroit entre chômage, délinquance et perte de repères, en retraçant une grève d’ouvriers et d’adolescents contre la fermeture d’une usine. Pour Tant qu’il y aura des oliviers (2007), Ève Duchemin se rend en Cisjordanie et rencontre des paysans palestiniens qui résistent à la colonisation par la culture de leurs terres. Elle dessine ensuite le portrait d’une jeunesse toujours plus précarisée à travers deux films : Avant que les murs tombent (2009), qui suit Colin, vivant dans une pauvreté extrême près de Charleroi mais animé par le rap, puis L’Âge adulte (2012), portrait de Sabrina, femme de ménage, serveuse et apprentie strip-teaseuse sur le Vieux-Port de Marseille. En 2009, Ève Duchemin tourne un court métrage de fiction en 16 mm, Sac de nœuds, récit d’un vol de sac à main campé par de jeunes amateurs. Ses derniers projets l’amènent en prison. Ceux qui bougent dresse le portrait de détenus qui, par le biais du sport, trouvent du sens au temps infini des longues peines qu’ils ont à purger. Dans En bataille, portrait d’une directrice de prison (2016), elle met en lumière une facette méconnue du monde carcéral. En observant une femme sensible, dévouée à son travail, elle soulève des questions universelles : dans quelle mesure un individu peut-il peser sur un système lourd et complexe ? Peut-on travailler dignement pour une institution indigne ?

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(France • 2025 • 75′),      entrée 5€/3€, -18 : entrée libre

En présence de la réalisatrice

Tourné en huis clos dans une école de police, le film interroge la vocation des jeunes recrues qui
ont choisi de se mettre au service de la population et ce qui fait l’essence de la fonction qu’ils
s’apprêtent à intégrer. Les élèves et formateurs de l’école sont soumis au devoir de réserve. Ils ne
peuvent donc pas exprimer librement leurs opinions et aucun d’entre eux ne souhaite être identifiable

« La position est d’apparente neutralité : tandis que l’école de police de Saint-Malo ouvre ses portes à la caméra de Liza Guillamot, élèves et formateurs apparaissent à l’écran le visage brouillé d’un masque numérique qui leur prête d’autres traits – plus lisses – protégeant ainsi leur anonymat. Les cours se déroulent, magistraux ou pratiques, le contenu d’une formation portant la voix de l’institution se dessine. Les premières expériences sur le terrain (très vite : le racisme) font écho aux questions de cours sur l’interdiction du contrôle au faciès, mais la cohérence d’une formation aux bonnes pratiques est battue en brèche par le nombre d’occurrences distillées au cours du film, qui tournent et retournent les questions épineuses de façon kaléidoscopique. L’indétermination de la vocation (le film de jeunesse : où vais-je ainsi ?), le cède à la « zone grise » de contradictions apparentes qui insidieusement s’accumulent, jusqu’à venir rencontrer la réalité verticale des affectations des nouvelles recrues (où va la police ?). »

Florence Maillard : voir l’article

Liza Guillamot a souvent été confrontée à la police du côté des manifestants. Pour mieux comprendre les comportements de ceux qu’elle observait sans pouvoir les rencontrer, elle a souhaité « aller à la racine des potentiels problèmes » [1] en installant sa caméra dans une école de police. Après trois ans de repérage, elle filme la formation d’un an de gardien de la paix et révèle les mécanismes par lesquels l’institution policière façonne ses jeunes recrues, les conditionnant à un exercice discipliné de la violence au nom du maintien de l’ordre.

Pourtant, dès l’arrivée des élèves, le discours est ferme : payés par les impôts et au service des citoyens, on attend d’eux un comportement exemplaire ainsi que le respect du devoir de réserve. Plus tard, un cours leur rappelle que la police n’a pas toujours été du bon côté de l’Histoire ; un autre, l’interdiction du contrôle d’identité au faciès. Le cœur de la formation paraît néanmoins se situer ailleurs, tant l’usage de la force, la contrainte par la violence et le maniement des armes occupent une place centrale dans le programme. En confrontant, tout au long du film, enseignements théoriques et mises en situation pratiques, Liza Guillamot fait apparaître une « zone grise » où les principes énoncés se heurtent à leur traduction concrète.

Le malaise saisissant le/la spectateur·rice devant l’accumulation des séquences où les élèves s’entraînent, notamment au tir à l’arme à feu ou à frapper « sans laisser de marque », est la conséquence du temps long. Par des plans fixes et sans commentaire, Liza Guillamot fait émerger la réalité de l’institution dans toute sa crudité. Cette forme de « chorégraphie » de la violence apprise et reproduite par les jeunes recrues interroge. Il est évident que la police doit pouvoir maîtriser un individu dangereux, mais à quel moment l’usage de la force cesse-t-il d’être légitime ? Le film met en lumière une défaillance : ce qui devrait se limiter à l’apprentissage de gestes techniques de coercition paraît envahi par la violence.

La musique originale de Pierre Lucas, primée au Fipadoc, accentue le trouble. Les nappes électroniques installent une profondeur qui déplace les scènes d’entraînement vers une dimension plus étrange, suggérant qu’un processus invisible est à l’œuvre. Le tempo fait écho à la cadence des coups exécutés par les élèves. La musique souligne ainsi un phénomène d’incorporation : les gestes se répètent, s’automatisent, jusqu’à l’inscription de la violence dans une forme de normalité. La tension qui en résulte confère aux images une gravité critique.

Les mises en situation filmées par Liza Guillamot révèlent l’apprentissage d’une méfiance diffuse, presque systématique. Les élèves y rejouent un contrôle d’identité appelé à dégénérer, s’exercent à intervenir au domicile d’une femme alcoolisée et supposément violente, apprennent les gestes de premiers secours — mais toujours après avoir procédé à une fouille et en restant vigilants face à d’éventuelles simulations de la personne secourue. Bien qu’encore en formation, ils intègrent déjà des postures de supériorité, leur futur statut de policier semblant justifier une attitude condescendante et brutale envers autrui où la présomption de culpabilité, plutôt que d’innocence, semble s’imposer. La contrainte physique intervient rapidement, les coups s’inscrivant dans la continuité des échanges. Le film montre comment les jeunes recrues endossent un rôle : elles enfilent l’uniforme comme on revêt un costume, et la figure du policier se fige en posture stéréotypée, méthodiquement inculquée.

La réussite du film repose sur l’association d’un constat inquiétant — celui d’une violence policière inculquée dès l’école — et du choix de la réalisatrice de préserver les visages, malgré l’obligation d’anonymisation totale. Plutôt que de flouter ou filmer de dos, Liza Guillamot utilise le faceswap pour générer des visages artificiels. Il s’agit d’un logiciel développé par des hackers, fondé sur des algorithmes avancés de vidéosurveillance d’origine russe ou chinoise. Il consiste à superposer un visage sur un autre en l’adaptant à la morphologie et aux expressions du visage d’origine, créant ainsi un visage inédit. [2]

La réalisatrice a collaboré avec Louise Bonizec et Lucas Latil pour adapter cette technologie, afin de « ne pas perdre les expressions des visages ». [3] Elle leur a également demandé de préserver les yeux réels des personnes filmées en les détourant, jugeant que « ce qui se joue dans le regard est tout aussi important que les expressions « . [4]

Ces visages préservés permettent au spectateur d’identifier les personnages récurrents et de s’y attacher progressivement. À travers les traits conservés se lit également la jeunesse des recrues : le hiatus entre cette jeunesse et la violence qu’on leur enseigne nous saisit, ce qui favorise une forme d’empathie à leur égard. Ainsi, lors d’une séquence d’entraînement au tir, une jeune femme appuie sur la gâchette pour la première fois. L’accès à ce visage généré par IA n’empêche pas de mesurer l’ampleur du bouleversement. Incapable de recommencer immédiatement, elle doit reprendre son souffle et se remettre. Plus tard, une autre recrue évoque le racisme de ses collègues au cours d’un bilan de stage ; c’est sur son visage fictif que se lit la consternation.

La réalisatrice a également délibérément conservé certaines imperfections dans l’utilisation du faceswap — flous, légères saccades — afin de rappeler qu’il ne s’agit en réalité que d’un masque. Ce dernier est imposé par le devoir de réserve, mais plus symboliquement, il vient souligner comment l’institution impose un rôle à ces jeunes et les amène à adopter une posture d’opposition, intégrant sans la questionner l’idée que la force et la répression constituent les instruments légitimes du maintien de l’ordre.

La séquence en négatif intervenant vers la fin de Zone grise insiste sur le basculement des recrues : les individualités du début se fondent en un bloc uniforme, marchant au pas. Elles sont la police désormais, les visages ont disparu.

ZT.

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(Irlande • 2025 • 60′ • Curious Industries)

En présence de la réalisatrice

À la frontière

Écrit et interprété par Alessandra Celesia et Marta McIlduff, le spectacle Aliens met en lumière un épisode méconnu de la Seconde Guerre mondiale : un matin où la mer rejette sur les côtes d’Irlande du Nord des centaines de corps d’Italien·nes. Cet événement, lié aux racines personnelles des deux autrices, devient le point de départ d’une exploration identitaire intense.

ALIENS est un road trip entre Marta McIlduff et Alessandra Celesia, mère et fille dans la vie comme sur scène, qui mêle récits personnels, témoignages et événements historiques.

L’une, brune et italienne, est arrivée à Belfast dans les années 1990, tombée amoureuse d’un garçon nord-irlandais rencontré à Paris. L’autre, à la peau claire et aux yeux verts, est née de cet amour à Belfast, mais a grandi en France.

Le point de départ : l’histoire des immigrés italiens arrivés à Belfast entre les deux guerres, avec le rêve de poursuivre leur route jusqu’à New York. Dans leur voyage, mère et fille emportent avec elles des enregistreurs, du papier, des stylos, des caméras — des outils pour capturer des fragments de mémoire, des sons, des images. Elles rencontrent les vivants et les morts. Les histoires du passé font écho aux tensions d’aujourd’hui : accueillir ou rejeter l’autre.

ALIENS interroge ce que signifie franchir une frontière — entre pays, cultures et générations.

Le spectacle tisse une écriture singulière au croisement des disciplines, mêlant théâtre, images filmées, enregistrements de terrain et musique électronique live.

Ce spectacle documentaire s’inscrit comme un temps fort du Mois du Film Documentaire, événement national coordonné par l’association Ty Films avec le soutien du Conseil départemental des Côtes d’Armor et de la Région Bretagne en partenariat avec 20 000 Docs sur la Terre et la Cinémathèque du Documentaire.

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« Tes jambes nues » Vladimir Léon
France • 2022 • 72’

Dans une ferme du Vercors, un paysan ingénieur, Jean-Philippe Valla développe des techniques d’auto-suffisance énergétique et alimentaire. La chorégraphe Julie Desprairies vient y travailler avec son équipe. Geste agricole et geste dansé se confondent. Travail de la terre et chorégraphie cherchent une plus juste façon d’habiter le monde.

Vladimir Léon, né en 1969, est réalisateur de documentaires et de fictions et acteur. Il a joué notamment chez Pierre Léon, Louis Skorecki, Serge Bozon, Jean Paul Civeyrac, Eric Rohmer, Christine Laurent, Pascal Bonitzer, Axelle Ropert… Il crée en 2008 la société de production Les Films de la Liberté.

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« Dans la vie je me suis perdu » Françoise Bouard et Régis Blanchard
France • 2024 • 62’

Kevin a 17 ans. Il a commis des délits qui, s’il avait été majeur, l’aurait conduit derrière les barreaux. La justice l’a placé dans un Centre Éducatif Renforcé (CER) pour un séjour de rupture de six mois. Six mois pour prendre un nouveau départ et trouver un sens à sa vie, entouré d’éducateurs qui veulent y croire, et d’autres ados qui comme lui n’ont qu’une idée en tête : se faire la belle

Françoise et Régis se veulent passeurs de réel. D’une exploration en quatre films de la société turque et kurde, dans toute sa complexité, ils sont passés à des films sur des engagements citoyens autour d’eux, en Bretagne. Soucieux de partager toutes les histoires, ils forment aussi à la réalisation, au sein d’un collectif, les gens de leur territoire morbihannais. Et continuent de rêver à leur prochain film, au Burkina Faso. Encore une étape, pour ces explorateurs des marges sensibles…

Leur rencontre est déjà un film à elle toute seule. Régis est amoureux de la Turquie, il y vit depuis deux ans et exporte de l’artisanat. C’est en essayant de vendre un kilim ancien à Françoise que leur histoire va se nouer, tapis oblige ! Puisqu’elle lui parle de son envie de documentaire, il la prend au mot. Chiche ! Filmons en Turquie ensemble. Elle lui répond que la condition féminine locale ne lui semble pas répondre encore tout à fait à ses critères personnels. Alors, pourquoi ne pas aller voir par elle-même ce qu’est réellement la Turquie, loin des cartes postales et des clichés des médias ? Ils réalisent alors ensemble, de manière amateur mais enthousiaste, leur premier film, Le Regard des cigognes. À leur retour, le regard éclairé de Paul Cornet, alors en charge d’Odysséus Productions, va les encourager à continuer. Et ces deux-là ne vont plus arrêter…

Ils vont s’attacher aux destins des communautés kurdes et turques dès Yürü !, en 1997, le parcours d’émancipation d’une jeune femme turque arrivée à Vannes. Puis, en 2001, Un hiver à Istanbul, une bouleversante plongée parmi les prisonniers turcs, marxistes le plus souvent, et kurdes, dans les geôles de Turquie. Situations complexes, ampleur de leurs revendications, grèves de la faim meurtrières… Ces protestations en tout genre de citoyens de Turquie ne parviennent que de loin en loin à nos rédactions françaises, tractations économiques et diplomatie européenne obligent.
Confrontés à la violence de l’État turc, Françoise et Régis continuent à explorer ce territoire de la dignité humaine, à pratiquer cet art de la rencontre, loin de tout manichéisme facile.

Sur la faille, en 2004, revient sur les survivants du tremblement de terre dans la région d’Izmit. Avec Les Couleurs lointaines du bonheur en 2009, c’est l’intimité d’exilés à Istanbul que les deux réalisateurs nous font partager, explorant ces questions de fragilité, de résistance, de destins à la marge. Pour cela, ils ont gagné la confiance des jeunes Kurdes qu’ils filment, des familles. Un long travail en immersion qui porte ses fruits. Le domaine du sensible, loin des diatribes politiciennes.

Puis surviendra la décision de filmer dans leur pays, en Bretagne, au plus près de ceux avec qui ils vivent, de leurs enfants aussi. Toujours l’engagement, différemment. Même pas peur (2010) accompagne une troupe amateur de Brest, pour qui théâtre rime avec lutte. Ondes fragiles (2013) raconte la bagarre pour tenir à bout de bras une radio associative, Plum FM, et l’investissement humain d’un de ses animateurs, éducateur spécialisé, pour donner la parole aux laissés-pour-compte. Faire tomber les étiquettes qui leur collent à la peau, refuser les cloisonnements.

À côté de leurs films, Françoise et Régis ont construit un beau projet collectif : partager une expérience de création documentaire avec des amateurs. L’association Les Passeurs d’images et de sons est donc née à Sérent, en Morbihan, là où ils vivent. Les ateliers de formation alternent avec des publics différents, demandeurs d’emploi ou retraités, jeunes, salariés récemment licenciés… Leurs créations collectives sont directement en prise avec leur réalité, aboutissant ainsi à une jolie collection de portraits, projetés en public par la suite. Un vrai maillage, un travail de diffusion du documentaire en profondeur.

Dans les interstices de tous ces tournages, Françoise et Régis continuent de rêver à leur film au Burkina Faso, qu’ils voudraient tourner sur une durée longue, avec les enfants des rues de Bobo-Dioulasso, tout en menant avec eux des ateliers de cinéma.
Exigeant projet, à vivre en famille, une étape de plus dans le parcours engagé et singulier de ces deux réalisateurs.

Source Bretagne Culture Diversité

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11H00 : « Lettre d’un cinéaste à sa fille » Eric Pauwels
  Belgique • 2000 • 50’

Lettre d’un cinéaste à sa fille est un film artisanal et libre, un film personnel et ludique sous forme de lettre ; un film tissé de mille histoires et cousu de différentes textures, un livre d’images où un cinéaste prend position par rapport au cinéma et donne à voir les visages et les histoires qu’il veut partager.

15H00 : «Les films révés » Eric Pauwels 
Belgique • 2010 • 180’

Pas de voyage autour du monde sans son double préalable dans le songe. L’imaginaire seul crée la vie – quand il ne la sauve pas. Extraits de films précédents de l’auteur, images empruntées, fragments de fictions et clins d’œil à Hollywood, on voyage beaucoup dans Les Films rêvés, mais ce sont des voyages en trompe-l’œil. Tout ici se concocte au fond d’un jardin, dans une cabane bleue, à partir de fiches, de brèves de journaux, de cauris, de lettres conservées au fond d’une boîte à cigares, de photos apposées au mur, de reproductions de peintures, de cartes du rêve, de fossiles – magique Blue Mary. »(Yann Lardeau)

20H00 : «La deuxième nuit » Eric Pauwels 
Belgique • 2016 • 75’

Futur, présent, passé : après l’injonction d’avenir de Lettre d’un cinéaste à sa fille et le voyage au présent à travers un jardin de films à faire (Les Films rêvés), Eric Pauwels interroge l’origine. Très concrètement d’abord, puisque le corps dont il est sorti il y a soixante ans, celui de sa mère, s’étiole doucement. Origine du cinéma aussi, des Chaplin goûtés enfant dans un café avec elle, à la magnifique injonction qu’elle lui fit jeune homme : celle de faire du cinéma si tel était son souhait. En apparence anodin, ce conseil porte la marque de l’effacement d’une génération de femmes dans le mariage et la maternité. Ainsi procède La Deuxième Nuit, entre première et deuxième personne, collage vibrant de couleurs et de formats, de souvenirs et d’objets, qui ne sont pas des memento mori mais des traces du passage du temps.

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« Lettre à Jean Rouch »  Eric Pauwels
Belgique • 1992 • 9’

Cinéaste et enseignant à l’INSAS, Eric Pauwels a présenté sa thèse de doctorat à la Sorbonne sous la direction de Jean Rouch. Pour lui rendre hommage, il a réalisé cette émouvante missive vidéo qui touche à l’essence même du cinéma et de la vie.

« Violon Phase »  Eric Pauwels
Belgique • 1983 • 12’

Sur une musique répétitive de Steve Reich, Anne Teresa de Keersmaeker travaille son solo, tournoyant sur elle-même à la manière des derviches. Prise dans le cercle musical et chorégraphique, la caméra entre dans la transe. Un moment de grâce entre la danseuse, le violon et le caméraman.

« Les rives du fleuve » Eric Pauwels
Belgique • 1991 • 56’

Trajet de la source jusqu’à l’estuaire, traversant la ville, le film regarde les gestes et le travail de ceux qui y vivent. À travers la fiction jouée par un acteur et une actrice, le film approche un sculpteur, un dessinateur, un compositeur, une actrice de théâtre, des danseurs, et ébauche leur relation au monde par le double regard de la fiction et du documentaire.

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