Synopsis :

En 2015, la nomination par le gouvernement nationaliste d’un nouveau directeur de l’école publique de cinéma « Film and TV Institute of India » (FTII, situé à Pune) déclenche protestations et une longue grève des étudiants sur lesquels se déverse alors un flot de propagande diffamatoire, de menaces et de mesures répressives. C’est dans ce contexte que L., étudiante du FTII, écrit des lettres à l’amoureux dont elle a été séparée. À sa voix se mêlent des images, fragments récoltés au gré de moments de vie, de fêtes et de manifestations qui racontent un monde assombri par des changements radicaux. Le film nous entraine dans les peurs, les désirs, les souvenirs d’une jeunesse en révolte, éprise de liberté.

L’avis de Tënk

Payal Kapadia,

Grand Prix au Festival de Cannes en 2024 avec All We Imagine as Light, Payal Kapadia réalise une entrée triomphale sur la scène cinématographique dès son premier long métrage de fiction. Cette ode à l’amitié et à Bombay, sur laquelle elle a travaillé durant son séjour à La Résidence de La Cinéfondation en 2019, a permis de faire revenir l’Inde dans la Compétition cannoise après trente ans d’absence. Le film poursuit sa carrière aux Golden Globes 2025 (nominations pour la Meilleure Réalisation et Meilleur Film en langue étrangère), et reçoit de nombreuses récompenses dont celle de Meilleur Film aux Asian Film Awards 2025 à Hong Kong. Formée au Film and Television Institute of India, Payal Kapadia a réalisé plusieurs courts métrages dont Afternoon Clouds, présenté à La Cinéfondation 2017 et elle s’est fait connaître avec son film documentaire Toute une nuit sans savoir. Aujourd’hui, elle partage son regard singulier dans les cinémas du monde entier.

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En périphérie de Barcelone, Vallbona forme un îlot coincé entre la voie ferrée, la rivière et la route. Sur ce terrain en friche au long passé agraire, le plan d’urbanisation a été abandonné au moment de la Guerre civile et les maisons clandestines ont poussé, dessinant un faubourg joliment anarchique. Les jardins partagés et les rives baignables de cette utopie urbaine recèlent mille souvenirs des générations qui y ont bâti leurs vies. Construit en deux saisons et reprenant la structure du western, Histoire de la bonne vallée voit l’hiver arriver quand les promoteurs s’emparent de ce lieu collectif de liberté où il y avait place pour le bonheur mais où de nouvelles lois s’appliqueront désormais. Dans la façon qu’a José Luis Guérín de filmer une communauté de circonstance, on pense au cinéma de John Ford auquel il avait rendu hommage dans Innisfree en 1990. En apportant la gentrification, les Gens du Sud, comme les désignent les cartons inauguraux, font de cette terre un monde en déconstruction.
(Raphaëlle Pireyre – Visions du Réel)

Luis Guerín

Réalisateur insolite, imprévisible, à la filmographie clairsemée — un ou deux films par décennie —, José Luis Guerín est un autodidacte.

« Comme je n’ai étudié dans aucune école de cinéma, ma seule formation a été celle de spectateur, si bien que j’ai acquis un imaginaire peuplé de cinéastes qui m’ont aidé à découvrir le monde », affirme-t-il[1].

Il débute à l’âge de 24 ans avec Los motivos de Berta (1984), œuvre quasi mutique qu’il écrit, monte et produit tout à la fois. Le film ne sera jamais distribué commercialement.

Six ans plus tard, le réalisateur part sur les traces de L’Homme tranquille de John Ford, en Irlande, afin d’y tourner Innisfree. Encore sept ans et il réapparaît avec l’inclassable Tren de sombras, inspiré de l’expérience vécue par l’écrivain russe Maxime Gorki, décontenancé par les premières images du cinématographe projetées à Nijni-Novgorod en 1896.

En 2001, il accède à une plus grande reconnaissance : En construcción, situé dans sa ville natale, devient le film-symbole d’une génération espagnole éprise de documentaire-fiction.

Plus confidentiel, Dans la ville de Sylvia (2007), tourné à Strasbourg, se construit autour du visage de la femme, en l’occurrence celui de l’actrice Pilar López.

Avec L’Académie des muses (2015), Guerín renoue avec ses débuts : il prend la décision de produire, filmer et monter seul son film.

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Alors qu’elle quitte clandestinement la Corée du Nord, Mme B est vendue à un paysan chinois par ses passeurs. Devenue passeuse à son tour, elle se lance dans une bataille pour retrouver ses enfants, qui l’amène jusqu’en Corée du Sud. Mais les services secrets s’en mêlent…

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Pour faire le portrait de Madame B., Jero Yun n’a pas le choix : il lui faut un engagement total : trois ans de tournage, la Chine, la Corée du Sud et une traversée clandestine et périlleuse de l’Asie du Sud-Est. Le récit qu’il construit alors est d’une ampleur impressionnante. C’est qu’il emboîte le pas d’une femme qui cherche où et comment vivre, tiraillée entre trois pays et deux maris. Toujours en mouvement, toujours communiquant vers un ailleurs, Madame B. est nulle part vraiment chez elle. Où qu’elle soit, avec ses enfants, son mari chinois ou son mari nord-coréen, elle se demande encore où aller, vainement. Comme si son équilibre était en permanence perturbé par une frontière. Et sa vie intime, colonisée par la géopolitique.

Jéro Yun

Né à Busan, il étudie l’art et le cinema en France. Son court-métrage Promesse gagne Grand Prix à Asiana ISFF en 2011. En 2013, il réalise un documentaire Looking for North Koreans, reçoit Mention spécial du Jury au Cinema Planeta (Mexique), sélectionné à Hamburg Film Festival (nominé pour Meilleur Documentaire politique) et Jihlava IDFF (nominé pour Meilleur Documentaire International). La même année, il co-réalise The Pig avec Singing Chen dans l’Omnibus Taipei Factory, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs, Busan IFF, Hongkong IFF 2013. Son dernier film documentaire Madame B, histoire d’une nord-coréenne (2016), co-produit par la France et la Corée du Sud, parcourt dans nombreux film festivals, notamment Jeonju, ACID Cannes, Goteborg, Dok.fest Munich, RIDM, DMZ docs etc. Ce film gagne Meilleur Documentaire à Moscow IFF et Zurich Film Festival 2016. En 2017, il gagne Meilleur Réalisateur à KISFF et Meilleur Acteur à Tokyo Short Shorts avec son court-métrage Hitchhiker sélectionné aussi à la Quinzaines des Réalisateurs 2016.

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Petit Déj offert dès 9h30

En 1960, le cinéaste James Ivory s’est rendu en Afghanistan pour tourner des scènes destinées à un film documentaire. Le film n’a jamais été réalisé, et les images sont restées enfermées dans une malle pendant 60 ans. En 2022, à l’âge de 94 ans, il a décidé de se plonger dans ce matériel unique pour se remémorer sa jeunesse et comprendre ainsi comment ce voyage improbable loin de sa petite ville américaine de l’Oregon a contribué à former le célèbre cinéaste qu’il est devenu.

James Ivory est né en 1928 à Berkeley aux États-Unis. Américain très britannique, il commence sa carrière de cinéaste en tournant des courts métrages documentaires puis signe son premier long en 1963, The Householder, tourné en Inde. Il quitte le pays au début des années 70 après y avoir réalisé cinq films, dont deux documentaires (The Delhi Way, Adventures of a Brown Man in Search of Civilization). Dès lors, il se partage entre la Grande-Bretagne et les États-Unis où il enchaîne les productions qui explorent le choc des civilisations (Autobiographie d’une princesse, Les Européens). Quartet, en 1981, lui vaut la reconnaissance de la critique : le film est sélectionné au Festival de Cannes et vaut à Isabelle Adjani le Prix d’interprétation féminine (qui salue également sa performance dans Possession, également en compétition cette année-là). En 1983, Chaleur et Poussière est une nouvelle variation sur le thème de la confrontation entre l’Orient et l’Occident, mais c’est avec Chambre avec vue, étude de caractères sur les mésalliances dues aux conventions sociales, que le cinéaste touche enfin un plus large public. Le film remporte trois Oscars, dont celui du meilleur scénario, et marque la première collaboration entre Ivory et l’une de ses actrices fétiches, Helena Bonham Carter. En 1992 et 1993, Retour à Howards End et Les Vestiges du jour, qui réunissent à deux reprises le couple formé par Anthony Hopkins et Emma Thompson, permettent au réalisateur d’élargir encore plus son audience. Jugé plus académique pour Jefferson à Paris et Surviving Picasso, James Ivory revient alors aux évocations du passé qui ont fait son succès avec La fille d’un soldat ne pleure jamais et La Coupe d’or à la fin des années 90. Le réalisateur se fait plus rare la décennie suivante et seul Le Divorce en 2003 et son casting éclectique (Naomi Watts, Kate Hudson, Melvil Poupaud et Thierry Lhermitte) ont droit à une sortie en salles en France. Disparu des écrans depuis The City of Your Final Destination en 2009, James Ivory remporte presque dix ans plus tard, à l’âge de 89 ans, l’Oscar du meilleur scénario adapté grâce à Call Me by your Name de Luca Guadagnino tiré du roman d’André Aciman.(Source : Allociné)

Giles Gardner est un monteur et écrivain de documentaires britannique. Il a plus de 20 ans d’expérience dans la post-production de fictions et de documentaires. Parmi les œuvres documentaires récentes, citons : « Inna de Yard » de Peter Webber (Tribeca/IDFA) ; « Winnie » de Pascale Lamche (prix du documentaire mondial de Sundance) ; « A Thousand Girls Like Me » de Sahra Mani (Hotdocs/Full Frame, prix du meilleur documentaire). Participant régulièrement en tant que tuteur de montage à CloseUp et Dok Incubator, il vit à Paris avec la double nationalité franco-britannique.- Traduit automatiquement · Mini-biographie originale IMDb par : GG

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Oscar – presque plus un enfant – récupère de la ferraille pour son père qui la vend. Il passe sa vie dans des déchèteries sauvages où le reste des restes sédimente. Aux antipodes, juste à côté, il y a Stanley. Il nettoie l’église contre une hospitalité monnayée, il ramasse les fruits, mène les troupeaux, tout ce qui peut occuper son corps venu d’ailleurs. Entre Oscar, le petit Sicilien, et Stanley, le Nigérian, rien de commun en apparence. Sauf le sentiment d’être jeté au monde, de subir le même refus, la même vague écrasante de choix faits par d’autres.

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Michele Pennetta nous raconte deux histoires qui suivent deux voies parallèles. Deux vies errant dans une solitude totale et l’absence de perspectives, partageant une île qui les retient prisonniers. Dans un arrière-pays sicilien désolé et stérile, raconté par la photographie habile de Paolo Ferrari, se meuvent ces deux âmes en peine, celles d’Oscar et de Stanley, toutes deux abandonnées par ceux qui leur avaient donné naissance. Leurs corps, pris dans la tension constante entre la fatalité d’un destin asphyxiant et l’épiphanie d’une vie qui s’autodétermine, ne trouvent un désir de liberté et de vengeance que dans de rares moments qui font résonner les vies des deux protagonistes l’une dans l’autre : Stanley danse sans réfléchir tandis qu’Oscar roule à toute allure sur son vélo. Dans un récit de regards, de silences et d’atmosphères, la caméra immerge le spectateur dans un cinéma d’écoute à la fois brut et poétique.  Claudia Maci, Directrice de l’organisation du Festival dei Popoli

Né à Varese (Italie) en 1984, Michele Pennetta a obtenu un Master en réalisation cinématographique à la Haute École d’Art et de Design de Genève (HEAD) et l’École Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) en 2010. Son film de diplôme I cani abbaiano a été sélectionné dans plusieurs festivals. En 2013, il commence à collaborer avec Joëlle Bertossa et Close-Up Films et réalise le moyen métrage ‘A iucata qui remporte le Pardino d’Oro à Locarno, et est également nommé meilleur court métrage suisse. Le film continue sa carrière dans de nombreux festivals internationaux en obtenant notamment le Prix du meilleur film au Festival dei Popoli de Florence. L’intérêt pour son pays d’origine et pour l’actualité le portent à écrire et réaliser son premier long métrage Pescatori di corpi, sélectionné en compétition internationale au 69e Festival de Locarno. Son deuxième film, Il Mio Corpo, est sélectionné en compétition internationale au Festival Visions du Réel, ainsi qu’au Festival de Cannes dans la programmation ACID en 2020. (Source : Tënk)

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Alors qu’Internet arrive au Bhoutan, un jeune moine bouddhiste voit sa vie bouleversée par la technologie, et son excitation initiale laisse place à un engagement profond avec celle-ci. Lui et les autres enfants moines sont attirés par les possibilités qu’offrent leurs smartphones. Ces derniers entrent désormais en compétition avec les rituels quotidiens de la vie monastique. Inattendue et profonde, l’histoire de cet adolescent nous pousse à réévaluer notre propre perception des liens sociaux et de l’estime de soi à une époque plus que jamais connectée.

Thomas Balmès est un réalisateur, producteur et scénariste français né à Paris en 1969. Après avoir décroché un diplôme de l’Institut Supérieur d’Études Cinématographiques, il crée sa propre société de production, TBC, en 1992 à l’âge de 23 ans. Il décide alors de s’engager dans la réalisation de films documentaires. La même année, il participe à la production de son premier documentaire, Par-delà les nuages du réalisateur Italien Michelangelo Antonioni, sélectionné au Festival du Film Américain de Los Angeles et à la Mostra de Venise. Thomas Balmès parcourt le monde avec sa caméra en abordant surtout le thème de la suprématie de la culture occidentale.

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Dans la favela de Gamboa (Bahia, Brésil), la terrasse du restaurant de Mônica est devenue tendance depuis que des influenceurs se prennent en selfie dans ce décor atypique au bord de la baie de Salvador. Mais à l’envers de cette carte postale, les habitants tentent de profiter de cette manne touristique pour survivre, alors que les riches voisins des alentours leur compliquent la tâche…

Vincent Boujon est réalisateur. Après des études universitaires (Master en Sociologie de la Culture, DEA d’Études Théâtrales), il se lance dans la réalisation de courts métrages de fiction qui seront repérés dans les festivals (La Pomme – 1998, Boy Loses Girl – 1999). Il se tourne ensuite vers l’écriture documentaire. Il réalise plusieurs films pour la télévision (Alice en Avignon, Des compagnons sur les tréteaux…) ainsi que des films de prévention sida, qui l’amèneront progressivement aux questions liées au VIH et le tournage du film Vivant ! . Il réalise parallèlement, pour des compagnies de théâtre et des orchestres classiques, des créations vidéos et des performances.  (Source : Tënk)

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On ne présente plus l’immense Charlie Chaplin, pionnier du cinéma, artiste incomparable et homme d’affaires redoutable qui livra une œuvre intemporelle et universelle. Mais ce cinéaste mythique, aux convictions politiques fortes et assumées, n’a pas encore livré tous ses secrets. Narré par la voix de Mathieu Amalric, ce documentaire cherche à cerner la complexité de ce self made man et de ses films.

Né à Carcassonne en 1968, Yves Jeuland est auteur et réalisateur d’une trentaine de films documentaires. Alternant entre films d’archives et cinéma direct, son travail porte sur l’observation de la société française d’hier et d’aujourd’hui, le monde politique et artistique.

Il a réalisé trois films pour le grand écran, dont Le Président avec Georges Frêche, sorti en salle en décembre 2010 et Les Gens du Monde, tourné au service politique du journal Le Monde, sorti en septembre 2014 (sélection officielle du 67e festival de Cannes).

En 2014-2015, Yves Jeuland tourne à l’Élysée Un temps de Président puis enchaîne avec des films documentaires consacrés à des artistes du cinéma : Michel Piccoli, Jean Gabin, Charlie Chaplin, Yves Montand…

François Aymé est directeur du cinéma Jean Eustache, commissaire général du Festival international du film d’histoire de Pessac et président de l’AFCAE (Association Française des Cinémas d’Art et d’Essai). Il est également co-auteur des documentaires Un Français nommé Gabin et Charlie Chaplin, le génie de la liberté réalisés par Yves Jeuland, et du documentaire Goulag, une histoire soviétique co-écrit avec l’historien Nicolas Werth et réalisé par Patrick Rotman, ainsi que du livre éponyme. Il réalise en 2020 le film documentaire Marcel Carné, le drôle de drame (titre provisoire).

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entrée : 5€/3€ – 18 ans : entrée libre

2009, Le Caire, Egypte. Khalid filme l’âme de sa ville et de ses habitants. Leurs visages et leurs espoirs. Quand la ville s’embrase, dans les prémisses d’une révolution, les images deviennent son combat. Les images du Caire, mais aussi celles de Beyrouth, de Bagdad et de Berlin, que lui envoient ces amis. Il faut trouver la force de continuer à vivre la douloureuse beauté des « derniers jours d’une ville ».

Tamer El Saïd

Considéré comme l’un des artistes les plus prometteurs du cinéma égyptien indépendant, Tamer El Said vit entre Berlin et Le Caire. Il a étudié le cinéma et le journalisme et a réalisé de nombreux documentaires et courts métrages qui ont reçu plusieurs prix internationaux.

Tamer a fondé en 2007 la société de production indépendante Zero Production, et a lancé Cimatheque – Alternative Film Center in Egypt, un lieu de travail, de formation et de programmation pensé pour la communauté cinématographique indépendante. Son premier long métrage, In the Last Days of the City, a été présenté en première à la Berlinale 2016 où il a reçu le prix du film Caligari. Le film a été invité dans plus de 180 festivals à travers le monde et a reçu plus de 15 prix internationaux.

En 2020, il réalise un court métrage intitulé One Sunny Day in April dans le cadre du projet «4 murs à Berlin: 30 films à distance». Son récent court métrage As You Lay in Your Grave est également sorti en octobre 2020 dans le cadre du projet Cinetracts ’20. Le projet a invité vingt cinéastes du monde entier à réaliser vingt courts métrages en réponse à l’air du temps sociopolitique actuel.

El Said a également encadré des ateliers, liés à sa pratique de cinéaste, dans de nombreux espaces internationaux du cinéma et de l’art, parmi lesquels l’Institute of Contemporary Art (ICA) à Londres. École de l’Art Institute de Chicago (SAIC) et Silent Green de Berlin.

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En présence du réalisateur : Nicolas Rey

France • 2001 • 175 ‘

Une traversée de la Russie en diagonale jusqu’à une ville soviétique mythique pour son éloignement : Magadan. À partir de fragments d’un journal sonore, de prises de vues documentaires et de quelques éléments de son autobiographie distillés en cours de route, le cinévoyageur tente d’aller à la rencontre d’origines fantasmées, aux résonances historiques et politiques.

Nicolas Rey bricole des films depuis 1993. En 1995, il contribue à la création de L’Abominable, un atelier collectif parisien de développement et tirage de films.

En 2001, il montre son premier long métrage Les Soviets plus l’électricité qui raconte sa traversée de l’ex-URSS sur les traces de son père qui était communiste. Selon Christa Blümlinger, critique de cinéma et d’art contemporain, le cinéaste « renouvelle ainsi les traditions artistiques et artisanales du cinéma, trouvant dans des techniques et des matériaux anciens l’occasion d’un renouveau plastique, ce film se trouve opérer une sorte de réconciliation des deux avant-gardes, longtemps séparées et s’ignorant mutuellement : celle du cinéma expérimental, issue du milieu des arts plastiques et venant de New York, et celle qui s’est formée en Europe, à la suite du cinéma moderne d’après-guerre, et qu’on pourrait appeler essayiste. »

En 2005, Rey montre Schuss ! sur le déclin économique de l’industrie, filmé dans les vallées des Alpes.

En 2012 Autrement, la Molussie, adapté d’un livre de contes sur le fascisme de Günther Anders est sélectionné à Berlin (Forum Expanded) et remporte à Paris le Grand Prix du festival Cinéma du réel. Il est en compétition à Bruxelles pour le Prix de l’Âge d’or 2012.

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