En présence du réalisateur : Nicolas Rey

France • 2001 • 175 ‘

Une traversée de la Russie en diagonale jusqu’à une ville soviétique mythique pour son éloignement : Magadan. À partir de fragments d’un journal sonore, de prises de vues documentaires et de quelques éléments de son autobiographie distillés en cours de route, le cinévoyageur tente d’aller à la rencontre d’origines fantasmées, aux résonances historiques et politiques.

Nicolas Rey bricole des films depuis 1993. En 1995, il contribue à la création de L’Abominable, un atelier collectif parisien de développement et tirage de films.

En 2001, il montre son premier long métrage Les Soviets plus l’électricité qui raconte sa traversée de l’ex-URSS sur les traces de son père qui était communiste. Selon Christa Blümlinger, critique de cinéma et d’art contemporain, le cinéaste « renouvelle ainsi les traditions artistiques et artisanales du cinéma, trouvant dans des techniques et des matériaux anciens l’occasion d’un renouveau plastique, ce film se trouve opérer une sorte de réconciliation des deux avant-gardes, longtemps séparées et s’ignorant mutuellement : celle du cinéma expérimental, issue du milieu des arts plastiques et venant de New York, et celle qui s’est formée en Europe, à la suite du cinéma moderne d’après-guerre, et qu’on pourrait appeler essayiste. »

En 2005, Rey montre Schuss ! sur le déclin économique de l’industrie, filmé dans les vallées des Alpes.

En 2012 Autrement, la Molussie, adapté d’un livre de contes sur le fascisme de Günther Anders est sélectionné à Berlin (Forum Expanded) et remporte à Paris le Grand Prix du festival Cinéma du réel. Il est en compétition à Bruxelles pour le Prix de l’Âge d’or 2012.

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En présence du réalisateur : Nicolas Rey

« On n’élit pas celui qu’on aime, mais on aime celui qu’on élit. »
Un film en neuf chapitres présentés dans un ordre aléatoire, basés sur des fragments de La Catacombe de Molussie, roman allemand écrit entre 1932 et 1936 par Günther Autrement. Des prisonniers d’une geôle d’un État fasciste imaginaire, la Molussie, se transmettent des histoires à propos du dehors, comme autant de fables à portée philosophique.

Nicolas Rey bricole des films depuis 1993. En 1995, il contribue à la création de L’Abominable, un atelier collectif parisien de développement et tirage de films.

En 2001, il montre son premier long métrage Les Soviets plus l’électricité qui raconte sa traversée de l’ex-URSS sur les traces de son père qui était communiste. Selon Christa Blümlinger, critique de cinéma et d’art contemporain, le cinéaste « renouvelle ainsi les traditions artistiques et artisanales du cinéma, trouvant dans des techniques et des matériaux anciens l’occasion d’un renouveau plastique, ce film se trouve opérer une sorte de réconciliation des deux avant-gardes, longtemps séparées et s’ignorant mutuellement : celle du cinéma expérimental, issue du milieu des arts plastiques et venant de New York, et celle qui s’est formée en Europe, à la suite du cinéma moderne d’après-guerre, et qu’on pourrait appeler essayiste. »

En 2005, Rey montre Schuss ! sur le déclin économique de l’industrie, filmé dans les vallées des Alpes.

En 2012 Autrement, la Molussie, adapté d’un livre de contes sur le fascisme de Günther Anders est sélectionné à Berlin (Forum Expanded) et remporte à Paris le Grand Prix du festival Cinéma du réel. Il est en compétition à Bruxelles pour le Prix de l’Âge d’or 2012.

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  Petit Déj offert : à partir de 9h30

Il y a 130 ans, les frères Lumière inventaient le cinéma. Tout était déjà là, les plans, les travellings, le drame, la comédie, le jeu des acteurs… Grace à la restauration de plus de 120 vues Lumière inédites, le film offre le spectacle intact du monde au début du siècle et un voyage stimulant aux origines d’un cinéma qui ne connait pas de fin.

Thierry Frémaux

Thierry Frémaux, né le 29 mai 1960 à Tullins, est une personnalité française du cinéma. Il est connu pour être à partir des années 2000 le sélectionneur des films en compétition au festival de Cannes, dont il devient le délégué général en 2007. Il est également directeur de l’Institut Lumière

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Jake vit au milieu de la forêt, se promenant la plupart du temps et faisant la sieste dans les champs. Il survit avec parcimonie, en passant le temps grâce à des projets étranges, et vit le rêve radical qu’il avait jeune homme, et qu’il a mis deux ans à réaliser. Saison après saison, avec une vieille caméra 16 mm et de la pellicule noir et blanc, Ben Rivers capte la singularité spatiale et temporelle du quotidien de Jake, qui a choisi de vivre en ermite.

L’avis de Tenk : voir

La vie d’un homme reclus, sauf qu’ici, point de pénitence. Juste un choix de vie qui semble construit à la mesure de cet homme. Un récit à la temporalité hypnotique, contrebalancée par la matérialité du noir et blanc de la pellicule. Et le regard du réalisateur Ben Rivers qui rend ce temps tangible et réel, en gardant trace de cette vie simple et concrète.
Tantôt bricoleur, inventeur, artiste, jardinier, bûcheron, notre personnage endosse tour à tour bien des rôles et des savoir-faire. Une sorte d’homme du futur, low-tech pourrait-on dire, qui vivrait et fabriquerait des objets et ferait des choses et des gestes essentiels, pour se nourrir, se chauffer, habiter, penser, rêver. La grâce d’une vie qui se déroule. Juste ça. Un film qui raconte avec une grande beauté et vibrante intensité une manière d’être au monde.

Julia Pinget (Réalisatrice)

Ben Rivers

Né en 1972, Ben Rivers est un artiste britannique primé pour ses films dans de nombreux festivals. Il est notamment lauréat du Grand Prix à Art Basel pour son film « Sack Barrow » et a été sélectionné à la Mostra de Venise en compétition officielle pour « Two Years at Sea » en 2011. En 2013, il a fait l’objet d’un focus lors du festival Hors Pistes au Centre Pompidou. Ben Rivers tourne en 16mm. Il s’intéresse à des individus ou communautés vivant en marge de la société et propose un travail à la lisière du documentaire, frôlant l’ethnographie, doté d’une grande puissance visuelle. Ainsi, empruntant une voie plus picturale que narrative, son œuvre se place au cœur des enjeux contemporains où l’on constate l’émergence sensible d’une approche documentaire expérimentale, qui se nourrit d’apports artistiques multiples. Cette forme hybride lui a notamment permis de se déplacer de la traditionnelle salle de cinéma pour s’exposer dans les centres d’art à travers des installations.

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« On n’élit pas celui qu’on aime, mais on aime celui qu’on élit. »
Un film en neuf chapitres présentés dans un ordre aléatoire, basés sur des fragments de La Catacombe de Molussie, roman allemand écrit entre 1932 et 1936 par Günther Autrement. Des prisonniers d’une geôle d’un État fasciste imaginaire, la Molussie, se transmettent des histoires à propos du dehors, comme autant de fables à portée philosophique.

Nicolas Rey bricole des films depuis 1993. En 1995, il contribue à la création de L’Abominable, un atelier collectif parisien de développement et tirage de films.

En 2001, il montre son premier long métrage Les Soviets plus l’électricité qui raconte sa traversée de l’ex-URSS sur les traces de son père qui était communiste. Selon Christa Blümlinger, critique de cinéma et d’art contemporain, le cinéaste « renouvelle ainsi les traditions artistiques et artisanales du cinéma, trouvant dans des techniques et des matériaux anciens l’occasion d’un renouveau plastique, ce film se trouve opérer une sorte de réconciliation des deux avant-gardes, longtemps séparées et s’ignorant mutuellement : celle du cinéma expérimental, issue du milieu des arts plastiques et venant de New York, et celle qui s’est formée en Europe, à la suite du cinéma moderne d’après-guerre, et qu’on pourrait appeler essayiste. »

En 2005, Rey montre Schuss ! sur le déclin économique de l’industrie, filmé dans les vallées des Alpes.

En 2012 Autrement, la Molussie, adapté d’un livre de contes sur le fascisme de Günther Anders est sélectionné à Berlin (Forum Expanded) et remporte à Paris le Grand Prix du festival Cinéma du réel. Il est en compétition à Bruxelles pour le Prix de l’Âge d’or 2012.

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France, Belgique • 2024 • 73′

Pendant 17 ans, Marie Losier a suivi la chanteuse Peaches, icône queer et féministe à la créativité explosive qui a fait voler en éclats tous les tabous. De la scène, sur laquelle elle s’engage corps et âme dans des concerts hallucinants, à sa vie intime, notamment sa relation avec sa sœur, atteinte d’une maladie dégénérative, ce portrait montre à quel point Peaches a transformé chacun des pans de sa vie pour en faire une œuvre d’art fascinante.

Fuck the Pain Away par Alexandre Moussa  Voir Critikat

Le premier exploit de Peaches Goes Bananas, dernier portrait d’artiste de la documentariste Marie Losier après les remarqués The Ballad of Genesis and Lady Jaye (2011) et Cassandro the Exotico ! (2018), c’est déjà la longévité inattendue de la carrière de Merrill Nisker, alias Peaches, figure provocatrice associée de manière indélébile au boom electroclash de la fin des années 1990. Tandis que beaucoup de ses pairs (de Fischerspooner à ADULT en passant par Miss Kittin & The Hacker) ont vu leur aura décliner au fil des ans, l’artiste canadienne a réussi à s’imposer durablement à la lisière de la pop (elle a enregistré des duos avec P!nk et Christina Aguilera) et de l’underground, sans doute moins grâce à ses disques parfois un poil répétitifs que par sa persona exubérante et ses performances scéniques de plus en plus spectaculaires. Cette longévité semble surprendre Peaches elle-même, attentive depuis ses débuts à la conservation d’archives filmées de son parcours. Ces dernières constituent l’une des matières premières du film de Losier, tourné en pointillés sur près de dix-sept ans (à partir de leur rencontre en 2006, à l’occasion du tournage de Genesis and Lady Jaye).

L’intérêt du travail de Marie Losier n’est cependant pas de s’attacher à la reconstitution emphatique de la dynamique d’une carrière, mais de privilégier un contraste permanent entre continuité et discontinuité. Son approche fragmentaire lui permet d’esquisser le portrait cohérent d’une personnalité singulière sans céder à une ambition totalisante. Le film se présente d’emblée sous une forme éclatée, directement liée à la méthode de travail de la cinéaste, qui tourne le plus souvent seule en 16mm muet : le nombre de prises est limité par la quantité de bobines disponibles et la durée des plans se voit nécessairement restreinte (trois minutes d’enregistrement possible tout au plus). Si un son témoin est enregistré sur le tournage, la bande son est ensuite complètement réinventée en post-production. Aux images en pellicule de Losier s’entremêlent en outre les archives personnelles de Peaches, pour la plupart filmées en vidéo. Entre les plans brefs, les brusques sautes d’image, les constants allers-retours temporels et l’aspect ludique du travail sur le son (des séquences semblant de prime abord synchrones se révélant progressivement asynchrones), le film est en fait aussi bananas que l’artiste, épousant idéalement l’énergie débordante de cette dernière. En contraste avec ce foisonnement virevoltant d’images et de sons, le montage travaille à restituer une forme de continuité (mais non chronologique). On le perçoit en particulier à travers les séquences de concerts, qui reconstituent un même morceau en raccordant différentes interprétations scéniques réalisées par Peaches au fil des années. C’est également la fonction des petits interludes-performances mis en scène par Losier – notamment une jouissive séquence de banquet où Peaches ravage avec volupté une table de pâtisseries à l’effigie des différentes périodes de sa carrière.

Ce qui se dessine au fil des séquences, c’est le contraste tout à fait inattendu et franchement hilarant entre l’énergie volcanique et débridée de Peaches sur scène et la douceur et la rigueur professionnelle de Merrill en coulisses. On redécouvre avec bonheur la radicalité intacte de ses morceaux et de ses performances scéniques, dont l’obscénité jouissive paraît d’autant plus précieuse dans un contexte politique nord-américain plus inquiétant encore que celui qui avait inspiré l’inénarrable Impeach My Bush en 2006. C’est cependant le principal regret que l’on ressent au visionnage : cette dimension politique du travail de l’artiste est tout juste suggérée, même si elle affleure explicitement au sujet du vieillissement de la chanteuse, décidée à assumer les transformations de son corps dans ses performances pour incarner une image plus punk de la vieillesse. Mais l’intérêt de Peaches Goes Bananas est ailleurs : Peaches s’y dévoile dans une forme de vulnérabilité qui jusqu’alors n’avait que très peu affleuré dans son travail, si ce n’est dans quelques morceaux de son album le plus pop et – toutes proportions gardées – le plus personnel, I Feel Cream (2009). On découvre médusé l’assistante maternelle qui jouait de la guitare folk pour amuser des enfants en bas âge, la midinette roucoulant des mots d’amour à son conjoint et la fille dévouée encouragée par ses parents, affectueux couple normie trinquant à sa santé depuis le canapé de son appartement propret de Toronto. Le film accorde en outre une place cruciale à Suri, la sœur de l’artiste, atteinte de sclérose en plaques : au corps actif, survolté et conquérant de Peaches sur scène répond celui immobile, empêché et vulnérable de Suri, cloîtrée dans son petit appartement. Les rapports de tendresse et de complicité qui unissent les deux sœurs et la complémentarité tragique de leurs existences forment le cœur battant du film, qui dévoile avec pudeur la chanteuse forte en gueule sous un jour étonnamment bouleversant.

Marie Losier étudie la littérature à l’Université de Nanterre (DEA en littérature et poésie américaine) et fait les Beaux-Arts à New York (MFA/Hunter College) avant de réaliser de nombreux portraits avant-gardistes, intimes, poétiques et ludiques de cinéastes, de musiciens et d’artistes tels que Alan Vega (Alan Vega, Just a Million Dreams), les frères Kuchar, Guy Maddin, Richard Foreman, Tony Conrad et Peaches.

Ses films sont souvent présentés dans de prestigieux festivals (Cannes, Berlin, Rotterdam, IDFA, Tribeca, New York, CPH:DOX, BAFICI, Cinéma du réel, Torino, etc.), mais aussi dans des musées tels que le Tate Modern (Londres), le MoMA (NYC), le Centre Pompidou, ou encore la Cinémathèque française (Paris) et le Whitney Museum (NYC).

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En 2026, le festival Obskura marque une pause et part en vacances ! Il se dénude et
s’allège pour mieux partager ses écrans…

C’est Obskura la playa !

Zéro de Conduite et le Labo K vous proposent de se retrouver du 3 au 5 juillet 2026 à
Trédrez-Locquémeau, sur la côte nord de la Bretagne, où nous serons accueillis au Café
Théodore et au Ciné el Mundo (Cidrerie du Lianver) par l’association 20000 Docs sur la
Terre. Au programme, “open screen”, atelier pratique le samedi en journée… plage et jeux
le dimanche.
Vu que le festival est en vacances : pas de sélection pour nous cette année. Premier.e
arrivé.e, premier.e servi.e : envoyez-nous juste vos propositions par mails (formats
argentiques ou numériques, performances), puis apportez-les !
Nous prévoyons deux moments de projection d’1h30 environ pour passer des films : le
vendredi 3 juillet au soir, et le samedi 4 juillet. Et quelques autres moments pour déployer
des performances. On attend plutôt des propositions courtes pour les films.
Infos requises : titre (même provisoire), réal., auteur.ice, prod., durée, format, support de
projection, infos audio-sons, matériel image/son requis sur place, configuration
projection-performance… et toute info utile !
Envoyez tout cela à : festivalobskura@gmail.com
On aura une équipe technique sur place pour régler les petits tracas pratiques, on
installera des projecteurs, mais l’idée est quand même que chacun.e soit autonome pour
les projections (qu’elles soient en format argentique ou numérique) et performances.
Obskura en vacances, ça veut dire qu’on n’a pas, et qu’on ne cherche pas, de financement
pour payer vos venues ou votre hébergement… mais par contre on sera là pour vous aider
à trouver un covoit’ ou un lit !
En plus des projections et de l’atelier, Obskura la playa, ce sera aussi des jeux, du sable
et de la mer, des verres et de la crème solaire… Nous avons hâte de partager nos
vacances avec vous !
On vous attend pour se rouler dans le sable,
Zéro de conduite, le Labo K, 20000 docs sur la Terre

Donc ce gros Week_End

– Atelier de développement de pellicule aux plantes.
– Atelier photo argentique.
– Différentes performances et projections de films en pellicule.

Également 2 films de Nicolas Rey : entrée : 5€/3€ – 18 ans : entrée libre

Vendredi 3 juillet : « Autrement La Mollussie » France • 2012 • 81′, 16 mm 

« On n’élit pas celui qu’on aime, mais on aime celui qu’on élit. »
Un film en neuf chapitres présentés dans un ordre aléatoire, basés sur des fragments de La Catacombe de Molussie, roman allemand écrit entre 1932 et 1936 par Günther Autrement. Des prisonniers d’une geôle d’un État fasciste imaginaire, la Molussie, se transmettent des histoires à propos du dehors, comme autant de fables à portée philosophique.

Dimanche 3 juillet : « Les Soviets plus l’électricité » France, 2001, 175 », 16 mm 

Une traversée de la Russie en diagonale jusqu’à une ville soviétique mythique pour son éloignement : Magadan. À partir de fragments d’un journal sonore, de prises de vues documentaires et de quelques éléments de son autobiographie distillés en cours de route, le cinévoyageur tente d’aller à la rencontre d’origines fantasmées, aux résonances historiques et politiques.

Nicholas Rey : 

Nicolas Rey bricole des films depuis 1993. En 1995, il contribue à la création de L’Abominable, un atelier collectif parisien de développement et tirage de films.

En 2001, il montre son premier long métrage Les Soviets plus l’électricité qui raconte sa traversée de l’ex-URSS sur les traces de son père qui était communiste. Selon Christa Blümlinger, critique de cinéma et d’art contemporain, le cinéaste « renouvelle ainsi les traditions artistiques et artisanales du cinéma, trouvant dans des techniques et des matériaux anciens l’occasion d’un renouveau plastique, ce film se trouve opérer une sorte de réconciliation des deux avant-gardes, longtemps séparées et s’ignorant mutuellement : celle du cinéma expérimental, issue du milieu des arts plastiques et venant de New York, et celle qui s’est formée en Europe, à la suite du cinéma moderne d’après-guerre, et qu’on pourrait appeler essayiste. »

En 2005, Rey montre Schuss ! sur le déclin économique de l’industrie, filmé dans les vallées des Alpes.

En 2012 Autrement, la Molussie, adapté d’un livre de contes sur le fascisme de Günther Anders est sélectionné à Berlin (Forum Expanded) et remporte à Paris le Grand Prix du festival Cinéma du réel. Il est en compétition à Bruxelles pour le Prix de l’Âge d’or 2012.

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Dé-payser
Installation visuelle et sonore, 90’, 2024 / déconseillé aux moins de 14 ans
Dans une pièce sonore en quadriphonie se mêlent les histoires  habitant·e·s, aidant·e·s, et personnes en situation d’exil ayant cherché à traverser la frontière franco-italienne fermée depuis 2015. En résonance à cette composition de mots – et de sons recueillis sur place – se déploient sur les murs de l’espace, des photographies en noir et blanc des lieux où les histoires ont été vécues.

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18h : Projection en super 8

Le bal des absente + Après les nuages

C’est un film collectif tourné en pellicule, fabriqué avec et par les opposantes au projet Cigéo, à Bure et alentours, en Meuse et Haute-Marne. Dans notre film, plusieurs univers s’entrechoquent, se croisent, se regardent, se mêlent ou s’évitent. Il y a des gens sous terre, d’autres en surface ou dans les arbres. On a imaginé ce qui se passerait dans un monde contaminé -peut-être – par le nucléaire où certaines personnes contrôlent, d’autres survivent, attendent, s’amusent et résistent. Un film d’anticipation ? Peut-être. Mais aussi un film d’archives où certains lieux apparaissant à l’image n’existent déjà plus. C’est un film qui s’est fait en parallèle de la lutte, à ses côtés, à son contact, dans la lenteur de la fabrication collective, quatre années durant. L’histoire a été écrite à plein, avec ce qu’on connaît d’ici. Elle est traversée par nos craintes sur l’avenir, notre colère et notre espoir qu’il y aura toujours du monde pour contrer ces schémas morbides et biocides et habiter les zones menacées.

20h : Pizzas du Café Théodore

21h : Projection de courts-métrages sur le nucléaire

-Aldebaran

https://www.film-documentaire.fr/4DACTION/w_fiche_film/67223_0

https://amupod.univ-amu.fr/video/20869-aldebaran-un-film-demma-danion/

-Memories of an unborn sun

Une dystopie sur des ouvriers chinois qui construisent des fermes solaires en Algérie (et envoient un soleil dans l’espace), et en parallèle il y a des images d’archives (incroyables) des français qui ont fait les essais nucléaires là-bas, sur fond de paysages hallucinés et hallucinant du Sahara. Les paroles des ouvriers chinois sont de vrais témoignages. J’ai trouvé ça très beau et très puissant.

https://www.on-tenk.com/fr/documentaires/les-films-de-visions-du-reel/memories-of-an-unborn-sun

Visite en terre irradiée

Sophie organise des visites touristiques dans la zone d’exclusion de la centrale nucléaire de Golfech, dans le Tarn-et-Garonne. À la suite de la catastrophe survenue quelques années plus tôt, elle propose aux curieux du monde entier de revêtir une combinaison, de se munir d’un masque et d’un dosimètre et de parcourir en gyropode ces terres irradiées où travaillent les décontaminateurs. Un tour mené par une guide du cru qui n’a plus grand chose à perdre et beaucoup à gagner.

https://www.lelokalproduction.com/details-visite+en+terre+irradiee-371

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Quelques mots sur le passage de la soule aux sports modernes (football et rugby) par Loïc Dano.

Court- Métrage :     entrée :  participation libre

« Comme un seul homme » de Jean-Louis Gonnet

France • 2001 • 15′

Dans l’antre que constitue le vestiaire, avant le match de rugby, une quinzaine d’hommes se livrent à un étonnant rituel : ainsi mise dans l’ambiance et prête à la mêlée, c’est une équipe soudée qui entrera sur le terrain !

« Laar » de Jacques Fanton et Alpha Sadou Gano

Belgique • 2011 • 19′

Portraits panoramiques de terrains de football de quartier et de fortune, commentés par un habitant de Keur Masaar. Des images et des hors-champs de ces lieux « foot » omniprésents dans la société sénégalaise.

Voetbal – Football de Dick Laan

Pays-Bas • 1927 • 16′

« Après un match serré de son club de foot favori, un petit supporter rêve du football. L’occasion se présente de participer à un match avec son club, pour lequel il jouera le héros en tant que gardien de but. Mais d’où viennent ces paysans ? Et ce ballon gigantesque ? Du rêve au cauchemar, dans les mains de Dick Laan, surtout connu comme auteur de romans pour enfants, le foot devient un sport avant-gardiste : Ivens contre Eisenstein… »
(États généraux du film documentaire)

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