En lien avec « Subjectif Lune » (Carré Magique le  Jeudi 17 décembre 2026)

Deux films :  entrée : 5€/3€, – 18 ans : entrée libre

« Opération Lune », Willian Karel

France • 2002 • 52′

Le réalisateur William Karel poursuit sa réflexion sur le rapport des États-Unis avec l’image, le cinéma et leur capacité à produire du « spectacle ». Quelle autre histoire peut se prêter à un tel regard que celle de la conquête spatiale, guerre d’image et de spectacle avant tout autre chose ? Et si ce n’était qu’une énorme supercherie initiée par les deux grandes puissances ?
Entre mensonges et vérités, ce film mêle des faits réels à d’autres, totalement inventés Jouant avec ironie et mensonge, il a pour but de divertir et de soulever le problème de l’utilisation des archives, à qui l’on peut faire dire ce que l’on veut.

Né en Tunisie, il fait ses études à Paris, avant de partir pour une dizaine d’années dans un kibboutz israélien. En 1981, de retour en France, il travaille durant près d’une dizaine d’années en tant que reporter-photographe pour les agences de presse Gamma ou Sygma. Dès 1988, il décide de troquer son appareil pour une caméra et se lance dans la réalisation de sujets documentaires pour le compte des émissions Envoyé Spécial et La Marche du Siècle. Continuant de faire ses armes sur des programmes télévisuels, il participe par la suite, entre 1993 et 1995, aux dossiers des Brûlures de l’Histoire, avec en autres J.F. Kennedy (1993) ; La Controverse Aaron-Sartre ; La Nuit des longs couteaux (1994) ou 8 mai 1945 : une journée particulière (1995). Entre temps, Karel signe le stupéfiant Jamaïque/FMI : Mourir à crédit (1994), co-produit par Arte (la chaîne deviendra par la suite son collaborateur privilégié) où il démonte et expose, par le biais d’une mécanique rigoureuse, le rôle joué par le Fond Monétaire International et sa mise en place d’une politique économique de libre marché dans la situation d’endettement extrême à laquelle est soumis le pays. Enchaînant avec La Mort en face (1995), Contre l’oubli, Mourir à Verdun (1996) ou Une terre deux fois promise : Israël/Palestine (1997), le documentariste en profite aussi pour achever ses portraits d’écrivains (Albert Cohen, Primo Levi…) initiés pour la collection cathodique Un siècle d’écrivains. Par la suite, Karel se lance dans un triptyque consacré à la politique française, et en particulier à trois de ses figures emblématiques :Jean-Marie Le Pen dans Histoire d’une droite extrême (1998), François Mitterand dans Mitterand, un mensonge d’État (2001) et Valéry Giscard d’Estaing dans VGE, le théâtre du pouvoir (2002). Devenu un spécialiste des affaires d’état, il poursuit par la suite ses investigations jusqu’aux États-Unis avec Les Hommes de la Maison Blanche (2000), un voyage passionnant au cœur des arcanes de la diplomatie américaine ; Dark Side of the Moon (Opération Lune, 2002), un faux documentaire (docu-menteur) sur la conquête spatiale et Hollywood ; CIA : Guerres secrètes (2003) ou les coulisses édifiantes de la célèbre agence d’espionnage ; Les Derniers Jours du sénateur McCarthy (2004) qui retrace la chute de l’homme à l’origine du climat de paranoïa emblématique des fifties ; et Le Monde selon Bush, puissant pamphlet d’une efficacité et d’une rigueur sidérantes, dressant le bilan de la politique du gouvernement du 43e président. Largement encensé par la critique, ce dernier documentaire contribue à faire connaître au grand public le méticuleux travail documentaire de Karel, que l’on compare souvent bien à tort au démago Michael Moore. Il reçoit en 2003 le prix Europa pour l’ensemble de son œuvre. C’est à ce titre que son prochain film, La Fille du juge (2005) bénéficie d’une plus large distribution en salles. Délaissant le principe de l’enquête au profit d’un récit intimiste, Karel s’appuie ici sur l’évocation de Clémence Boulouque, fille du célèbre juge anti-terroriste, de ses souvenirs personnels, tel un livre ouvert, entre témoignage et images d’archives. […] Avec Blanche Finger, il a notamment réalisé la série documentaire Jusqu’au dernier : La destruction des Juifs d’Europe (2014).(Source : FIFA et Première) + Portrait de William Karel par Anne Chaon dans le n°42 de la revue « Astérisque » de la SCAM

« Out of the Present » Andrei Ujica

Allemagne, Belgique, France, Russie • 1995 • 95′

Mai 1991 : le cosmonaute soviétique Sergheï Krikalev s’envole pour la station orbitale MIR, qu’il va occuper pendant dix mois sous l’œil de quatre caméras. À son retour, l’empire soviétique a disparu, éclaté, démantelé. Pendant son séjour dans l’espace, pour ainsi dire hors du présent, une ère s’est éteinte, une autre est née. Ainsi Krikalev est-il devenu le premier cosmonaute à effectuer une mission pour un pays ayant cessé d’exister ! Le réalisateur relate, en parallèle à l’odyssée de Krikalev, les événements qui ont abouti au putsch de Moscou…

Andrei Ujica est un cinéaste singulier, sans caméra mais avec un regard, tout entier contenu dans la visionneuse et la table de montage. C’est un magnifique vautour qui se nourrit des images des autres – grandeur et utilité des vautours ! –, un condor posant son regard perçant sur des images qu’il reprend à son compte et redistribue par le montage. Voici une forme de remise en jeu des images, qui les déplace d’une première version de l’histoire pour les placer dans une autre et les travailler ainsi au présent. Rarement le fait de monter et de montrer des images aura été aussi lié. C’est ainsi qu’Ujica cinéaste devient, dans le même temps, un théoricien de l’histoire, la revoyant et la reformulant par l’ironie du montage, comme une “remise en scène”, selon l’expression d’Arnaud Hée, le premier critique français à avoir pointé l’originalité et l’importance du cinéaste. (Source : Catalogue 2017 du Festival International du Film de La Rochelle)

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En lien avec H-Burns  & The Stangers Quartet  (Carré Magique le Jeudi 8 octobre 2026)

Deux films :  entrée : 5€/3€, – 18 ans : entrée libre

« L.Cohen » James Benning,

États-Unis, Allemagne • 2017 • 45′

À gauche, un jerrican jaune et deux pneus posés contre trois barils rouillés. À droite, une moissonneuse abandonnée dans une portion de paille non fauchée. Derrière, un talus, où s’alignent des poteaux électriques, masque un parking dont seuls dépassent les toits de quelques véhicules. Des corbeaux croassent dans un ciel d’été voilé au centre duquel, un mirage peut-être, apparaissent des cimes enneigées. Ceux qui connaissent l’œuvre de James Benning devinent combien de présences discrètes recèle ce paysage désertique d’Oregon.

James Benning : a réalisé la première de ses œuvres d’avant-garde en 1972, puis a commencé peu de temps après à produire des films expérimentaux plus longs. Entre 1978 et 1985, il réalise de nombreuses projections et installations informatiques. De 1977 à 1980, il a enseigné à l’université de Californie et celle d’Oklahoma. Depuis la fin des années 1980, il vit à Val Verde, près de Los Angeles. Il enseigne au California Institute of the Arts où, à travers ses œuvres, il continue d’influencer grandement les jeunes générations d’artistes. Le paysage américain est l’un des aspects les plus saillants de son œuvre. À l’aide de plans fixes qui s’établissent dans la durée, les films de Benning traitent souvent de la nature et de la mainmise de l’homme sur le monde. (Source : Cinéma du réel. Notice biographique mise à jour en janvier 2024)

« Mesdames et Messieurs, M.Léonard Cohen » Donald Brittain

Canada (Québec) • 1965 • 44′

Ce documentaire réalisé en 1965 brosse un portrait décontracté de Léonard Cohen, à 30 ans, de retour dans sa ville natale de Montréal. Le poète, romancier et auteur-compositeur vient « renouer avec ses affiliations névrotiques ». Il lit sa poésie à une foule enthousiaste, se promène dans les rues de la ville, se détend dans une chambre d’hôtel à trois dollars la nuit et… prend un bain.

Donald Brittain, cinéaste (Ottawa, Ont., 10 juin 1928 — Montréal, Qc, 21 juill. 1989). Après plusieurs années au Ottawa Journal, Brittain entre à l’OFFICE NATIONAL DU FILM en 1955. Il en est bientôt l’un des documentaristes les plus respectés. En 1962, il produit une série de 13 épisodes, Canada at War (le Canada en guerre). Deux ans plus tard, en collaboration avec John Kemeny, il réalise Bethune, biographie du docteur Norman BETHUNE, premier d’une série de films dans lesquels il dépeint des personnages controversés. Dans un style vivant, humoristique, original et souvent incisif, il trace le portrait de Leonard COHEN, de Lord THOMSON of Fleet, de Ferguson JENKINS, de Malcolm LOWRY et des QUINTUPLÉES DIONNE. C’est son film Volcano: An Inquiry into the Life and Death of Malcolm Lowry (1976) qui établit sa réputation internationale.

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Synopsis :

En 2015, la nomination par le gouvernement nationaliste d’un nouveau directeur de l’école publique de cinéma « Film and TV Institute of India » (FTII, situé à Pune) déclenche protestations et une longue grève des étudiants sur lesquels se déverse alors un flot de propagande diffamatoire, de menaces et de mesures répressives. C’est dans ce contexte que L., étudiante du FTII, écrit des lettres à l’amoureux dont elle a été séparée. À sa voix se mêlent des images, fragments récoltés au gré de moments de vie, de fêtes et de manifestations qui racontent un monde assombri par des changements radicaux. Le film nous entraine dans les peurs, les désirs, les souvenirs d’une jeunesse en révolte, éprise de liberté.

L’avis de Tënk

Payal Kapadia,

Grand Prix au Festival de Cannes en 2024 avec All We Imagine as Light, Payal Kapadia réalise une entrée triomphale sur la scène cinématographique dès son premier long métrage de fiction. Cette ode à l’amitié et à Bombay, sur laquelle elle a travaillé durant son séjour à La Résidence de La Cinéfondation en 2019, a permis de faire revenir l’Inde dans la Compétition cannoise après trente ans d’absence. Le film poursuit sa carrière aux Golden Globes 2025 (nominations pour la Meilleure Réalisation et Meilleur Film en langue étrangère), et reçoit de nombreuses récompenses dont celle de Meilleur Film aux Asian Film Awards 2025 à Hong Kong. Formée au Film and Television Institute of India, Payal Kapadia a réalisé plusieurs courts métrages dont Afternoon Clouds, présenté à La Cinéfondation 2017 et elle s’est fait connaître avec son film documentaire Toute une nuit sans savoir. Aujourd’hui, elle partage son regard singulier dans les cinémas du monde entier.

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En périphérie de Barcelone, Vallbona forme un îlot coincé entre la voie ferrée, la rivière et la route. Sur ce terrain en friche au long passé agraire, le plan d’urbanisation a été abandonné au moment de la Guerre civile et les maisons clandestines ont poussé, dessinant un faubourg joliment anarchique. Les jardins partagés et les rives baignables de cette utopie urbaine recèlent mille souvenirs des générations qui y ont bâti leurs vies. Construit en deux saisons et reprenant la structure du western, Histoire de la bonne vallée voit l’hiver arriver quand les promoteurs s’emparent de ce lieu collectif de liberté où il y avait place pour le bonheur mais où de nouvelles lois s’appliqueront désormais. Dans la façon qu’a José Luis Guérín de filmer une communauté de circonstance, on pense au cinéma de John Ford auquel il avait rendu hommage dans Innisfree en 1990. En apportant la gentrification, les Gens du Sud, comme les désignent les cartons inauguraux, font de cette terre un monde en déconstruction.
(Raphaëlle Pireyre – Visions du Réel)

Luis Guerín

Réalisateur insolite, imprévisible, à la filmographie clairsemée — un ou deux films par décennie —, José Luis Guerín est un autodidacte.

« Comme je n’ai étudié dans aucune école de cinéma, ma seule formation a été celle de spectateur, si bien que j’ai acquis un imaginaire peuplé de cinéastes qui m’ont aidé à découvrir le monde », affirme-t-il[1].

Il débute à l’âge de 24 ans avec Los motivos de Berta (1984), œuvre quasi mutique qu’il écrit, monte et produit tout à la fois. Le film ne sera jamais distribué commercialement.

Six ans plus tard, le réalisateur part sur les traces de L’Homme tranquille de John Ford, en Irlande, afin d’y tourner Innisfree. Encore sept ans et il réapparaît avec l’inclassable Tren de sombras, inspiré de l’expérience vécue par l’écrivain russe Maxime Gorki, décontenancé par les premières images du cinématographe projetées à Nijni-Novgorod en 1896.

En 2001, il accède à une plus grande reconnaissance : En construcción, situé dans sa ville natale, devient le film-symbole d’une génération espagnole éprise de documentaire-fiction.

Plus confidentiel, Dans la ville de Sylvia (2007), tourné à Strasbourg, se construit autour du visage de la femme, en l’occurrence celui de l’actrice Pilar López.

Avec L’Académie des muses (2015), Guerín renoue avec ses débuts : il prend la décision de produire, filmer et monter seul son film.

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Alors qu’elle quitte clandestinement la Corée du Nord, Mme B est vendue à un paysan chinois par ses passeurs. Devenue passeuse à son tour, elle se lance dans une bataille pour retrouver ses enfants, qui l’amène jusqu’en Corée du Sud. Mais les services secrets s’en mêlent…

L’avis de Tënk : Voir

Pour faire le portrait de Madame B., Jero Yun n’a pas le choix : il lui faut un engagement total : trois ans de tournage, la Chine, la Corée du Sud et une traversée clandestine et périlleuse de l’Asie du Sud-Est. Le récit qu’il construit alors est d’une ampleur impressionnante. C’est qu’il emboîte le pas d’une femme qui cherche où et comment vivre, tiraillée entre trois pays et deux maris. Toujours en mouvement, toujours communiquant vers un ailleurs, Madame B. est nulle part vraiment chez elle. Où qu’elle soit, avec ses enfants, son mari chinois ou son mari nord-coréen, elle se demande encore où aller, vainement. Comme si son équilibre était en permanence perturbé par une frontière. Et sa vie intime, colonisée par la géopolitique.

Jéro Yun

Né à Busan, il étudie l’art et le cinema en France. Son court-métrage Promesse gagne Grand Prix à Asiana ISFF en 2011. En 2013, il réalise un documentaire Looking for North Koreans, reçoit Mention spécial du Jury au Cinema Planeta (Mexique), sélectionné à Hamburg Film Festival (nominé pour Meilleur Documentaire politique) et Jihlava IDFF (nominé pour Meilleur Documentaire International). La même année, il co-réalise The Pig avec Singing Chen dans l’Omnibus Taipei Factory, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs, Busan IFF, Hongkong IFF 2013. Son dernier film documentaire Madame B, histoire d’une nord-coréenne (2016), co-produit par la France et la Corée du Sud, parcourt dans nombreux film festivals, notamment Jeonju, ACID Cannes, Goteborg, Dok.fest Munich, RIDM, DMZ docs etc. Ce film gagne Meilleur Documentaire à Moscow IFF et Zurich Film Festival 2016. En 2017, il gagne Meilleur Réalisateur à KISFF et Meilleur Acteur à Tokyo Short Shorts avec son court-métrage Hitchhiker sélectionné aussi à la Quinzaines des Réalisateurs 2016.

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Petit Déj offert dès 9h30

En 1960, le cinéaste James Ivory s’est rendu en Afghanistan pour tourner des scènes destinées à un film documentaire. Le film n’a jamais été réalisé, et les images sont restées enfermées dans une malle pendant 60 ans. En 2022, à l’âge de 94 ans, il a décidé de se plonger dans ce matériel unique pour se remémorer sa jeunesse et comprendre ainsi comment ce voyage improbable loin de sa petite ville américaine de l’Oregon a contribué à former le célèbre cinéaste qu’il est devenu.

James Ivory est né en 1928 à Berkeley aux États-Unis. Américain très britannique, il commence sa carrière de cinéaste en tournant des courts métrages documentaires puis signe son premier long en 1963, The Householder, tourné en Inde. Il quitte le pays au début des années 70 après y avoir réalisé cinq films, dont deux documentaires (The Delhi Way, Adventures of a Brown Man in Search of Civilization). Dès lors, il se partage entre la Grande-Bretagne et les États-Unis où il enchaîne les productions qui explorent le choc des civilisations (Autobiographie d’une princesse, Les Européens). Quartet, en 1981, lui vaut la reconnaissance de la critique : le film est sélectionné au Festival de Cannes et vaut à Isabelle Adjani le Prix d’interprétation féminine (qui salue également sa performance dans Possession, également en compétition cette année-là). En 1983, Chaleur et Poussière est une nouvelle variation sur le thème de la confrontation entre l’Orient et l’Occident, mais c’est avec Chambre avec vue, étude de caractères sur les mésalliances dues aux conventions sociales, que le cinéaste touche enfin un plus large public. Le film remporte trois Oscars, dont celui du meilleur scénario, et marque la première collaboration entre Ivory et l’une de ses actrices fétiches, Helena Bonham Carter. En 1992 et 1993, Retour à Howards End et Les Vestiges du jour, qui réunissent à deux reprises le couple formé par Anthony Hopkins et Emma Thompson, permettent au réalisateur d’élargir encore plus son audience. Jugé plus académique pour Jefferson à Paris et Surviving Picasso, James Ivory revient alors aux évocations du passé qui ont fait son succès avec La fille d’un soldat ne pleure jamais et La Coupe d’or à la fin des années 90. Le réalisateur se fait plus rare la décennie suivante et seul Le Divorce en 2003 et son casting éclectique (Naomi Watts, Kate Hudson, Melvil Poupaud et Thierry Lhermitte) ont droit à une sortie en salles en France. Disparu des écrans depuis The City of Your Final Destination en 2009, James Ivory remporte presque dix ans plus tard, à l’âge de 89 ans, l’Oscar du meilleur scénario adapté grâce à Call Me by your Name de Luca Guadagnino tiré du roman d’André Aciman.(Source : Allociné)

Giles Gardner est un monteur et écrivain de documentaires britannique. Il a plus de 20 ans d’expérience dans la post-production de fictions et de documentaires. Parmi les œuvres documentaires récentes, citons : « Inna de Yard » de Peter Webber (Tribeca/IDFA) ; « Winnie » de Pascale Lamche (prix du documentaire mondial de Sundance) ; « A Thousand Girls Like Me » de Sahra Mani (Hotdocs/Full Frame, prix du meilleur documentaire). Participant régulièrement en tant que tuteur de montage à CloseUp et Dok Incubator, il vit à Paris avec la double nationalité franco-britannique.- Traduit automatiquement · Mini-biographie originale IMDb par : GG

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Oscar – presque plus un enfant – récupère de la ferraille pour son père qui la vend. Il passe sa vie dans des déchèteries sauvages où le reste des restes sédimente. Aux antipodes, juste à côté, il y a Stanley. Il nettoie l’église contre une hospitalité monnayée, il ramasse les fruits, mène les troupeaux, tout ce qui peut occuper son corps venu d’ailleurs. Entre Oscar, le petit Sicilien, et Stanley, le Nigérian, rien de commun en apparence. Sauf le sentiment d’être jeté au monde, de subir le même refus, la même vague écrasante de choix faits par d’autres.

L’avis de Tënk : Voir

Michele Pennetta nous raconte deux histoires qui suivent deux voies parallèles. Deux vies errant dans une solitude totale et l’absence de perspectives, partageant une île qui les retient prisonniers. Dans un arrière-pays sicilien désolé et stérile, raconté par la photographie habile de Paolo Ferrari, se meuvent ces deux âmes en peine, celles d’Oscar et de Stanley, toutes deux abandonnées par ceux qui leur avaient donné naissance. Leurs corps, pris dans la tension constante entre la fatalité d’un destin asphyxiant et l’épiphanie d’une vie qui s’autodétermine, ne trouvent un désir de liberté et de vengeance que dans de rares moments qui font résonner les vies des deux protagonistes l’une dans l’autre : Stanley danse sans réfléchir tandis qu’Oscar roule à toute allure sur son vélo. Dans un récit de regards, de silences et d’atmosphères, la caméra immerge le spectateur dans un cinéma d’écoute à la fois brut et poétique.  Claudia Maci, Directrice de l’organisation du Festival dei Popoli

Né à Varese (Italie) en 1984, Michele Pennetta a obtenu un Master en réalisation cinématographique à la Haute École d’Art et de Design de Genève (HEAD) et l’École Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) en 2010. Son film de diplôme I cani abbaiano a été sélectionné dans plusieurs festivals. En 2013, il commence à collaborer avec Joëlle Bertossa et Close-Up Films et réalise le moyen métrage ‘A iucata qui remporte le Pardino d’Oro à Locarno, et est également nommé meilleur court métrage suisse. Le film continue sa carrière dans de nombreux festivals internationaux en obtenant notamment le Prix du meilleur film au Festival dei Popoli de Florence. L’intérêt pour son pays d’origine et pour l’actualité le portent à écrire et réaliser son premier long métrage Pescatori di corpi, sélectionné en compétition internationale au 69e Festival de Locarno. Son deuxième film, Il Mio Corpo, est sélectionné en compétition internationale au Festival Visions du Réel, ainsi qu’au Festival de Cannes dans la programmation ACID en 2020. (Source : Tënk)

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Alors qu’Internet arrive au Bhoutan, un jeune moine bouddhiste voit sa vie bouleversée par la technologie, et son excitation initiale laisse place à un engagement profond avec celle-ci. Lui et les autres enfants moines sont attirés par les possibilités qu’offrent leurs smartphones. Ces derniers entrent désormais en compétition avec les rituels quotidiens de la vie monastique. Inattendue et profonde, l’histoire de cet adolescent nous pousse à réévaluer notre propre perception des liens sociaux et de l’estime de soi à une époque plus que jamais connectée.

Thomas Balmès est un réalisateur, producteur et scénariste français né à Paris en 1969. Après avoir décroché un diplôme de l’Institut Supérieur d’Études Cinématographiques, il crée sa propre société de production, TBC, en 1992 à l’âge de 23 ans. Il décide alors de s’engager dans la réalisation de films documentaires. La même année, il participe à la production de son premier documentaire, Par-delà les nuages du réalisateur Italien Michelangelo Antonioni, sélectionné au Festival du Film Américain de Los Angeles et à la Mostra de Venise. Thomas Balmès parcourt le monde avec sa caméra en abordant surtout le thème de la suprématie de la culture occidentale.

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Dans la favela de Gamboa (Bahia, Brésil), la terrasse du restaurant de Mônica est devenue tendance depuis que des influenceurs se prennent en selfie dans ce décor atypique au bord de la baie de Salvador. Mais à l’envers de cette carte postale, les habitants tentent de profiter de cette manne touristique pour survivre, alors que les riches voisins des alentours leur compliquent la tâche…

Vincent Boujon est réalisateur. Après des études universitaires (Master en Sociologie de la Culture, DEA d’Études Théâtrales), il se lance dans la réalisation de courts métrages de fiction qui seront repérés dans les festivals (La Pomme – 1998, Boy Loses Girl – 1999). Il se tourne ensuite vers l’écriture documentaire. Il réalise plusieurs films pour la télévision (Alice en Avignon, Des compagnons sur les tréteaux…) ainsi que des films de prévention sida, qui l’amèneront progressivement aux questions liées au VIH et le tournage du film Vivant ! . Il réalise parallèlement, pour des compagnies de théâtre et des orchestres classiques, des créations vidéos et des performances.  (Source : Tënk)

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On ne présente plus l’immense Charlie Chaplin, pionnier du cinéma, artiste incomparable et homme d’affaires redoutable qui livra une œuvre intemporelle et universelle. Mais ce cinéaste mythique, aux convictions politiques fortes et assumées, n’a pas encore livré tous ses secrets. Narré par la voix de Mathieu Amalric, ce documentaire cherche à cerner la complexité de ce self made man et de ses films.

Né à Carcassonne en 1968, Yves Jeuland est auteur et réalisateur d’une trentaine de films documentaires. Alternant entre films d’archives et cinéma direct, son travail porte sur l’observation de la société française d’hier et d’aujourd’hui, le monde politique et artistique.

Il a réalisé trois films pour le grand écran, dont Le Président avec Georges Frêche, sorti en salle en décembre 2010 et Les Gens du Monde, tourné au service politique du journal Le Monde, sorti en septembre 2014 (sélection officielle du 67e festival de Cannes).

En 2014-2015, Yves Jeuland tourne à l’Élysée Un temps de Président puis enchaîne avec des films documentaires consacrés à des artistes du cinéma : Michel Piccoli, Jean Gabin, Charlie Chaplin, Yves Montand…

François Aymé est directeur du cinéma Jean Eustache, commissaire général du Festival international du film d’histoire de Pessac et président de l’AFCAE (Association Française des Cinémas d’Art et d’Essai). Il est également co-auteur des documentaires Un Français nommé Gabin et Charlie Chaplin, le génie de la liberté réalisés par Yves Jeuland, et du documentaire Goulag, une histoire soviétique co-écrit avec l’historien Nicolas Werth et réalisé par Patrick Rotman, ainsi que du livre éponyme. Il réalise en 2020 le film documentaire Marcel Carné, le drôle de drame (titre provisoire).

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