#1 : «Les contes de la lune vague après la pluie», Kenzi Mizoguchi
#2 : «Maternité Eternelle», Kinuyo Tanaka
#3 : «Hana-bi»,Takeshi Kitano

«Hana-bi»,Takeshi Kitano

Japan,1997, 1h 43′        entrée : 5€/3€  (avec carte d’adhérents ciné club), – 18 ans : entrée libre
                                                                    Une soupe vous est proposée dès 19h00.

Nishi est policier. Son épouse est atteinte d’un cancer en phase terminale. Suite à une fusillade son partenaire Horibe devient paraplégique et un autre de ses collègues est tué. Nishi démissionne alors afin de commettre un casse pour rembourser d’importantes dettes contractées auprès des yakuzas et, finalement, chercher un sens à sa vie…

Takeshi Kitano :

Cadet d’une famille pauvre de quatre enfants, Takeshi Kitano commence sa carrière en tant que liftier dans un cabaret de spectacles burlesques. C’est là qu’il remplace au pied levé un des comédiens un soir de spectacle. Beat Takeshi est né. Avec son compère Beat Kiyoshi, il forme le duo Two Beats et se lance à l’assaut de la télévision japonaise en 1980. En duo comme en solo (avec l’émission Oretachi Hyohinzoku, littéralement Nous sommes sauvages et cinglés), Beat Takeshi triomphe tout au long des années 80 avec son goût de la provocation et son irrévérence. Au cnéma, ce goût pour le burlesque et la farce trouve son illustration dans le délirant Getting any ?, qu’il réalise en 1994. Le film n’est distribué qu’en 2001 en France.

Il entame parallèlement une carrière au cinéma, en apparaissant notamment dans Furyo de Nagisa Oshima en 1983. En 1989, Takeshi Kitano se lance dans la réalisation avec le polar Violent Cop. Deux carrières symétriques et deux noms différents pour chacune de ces directions : Beat Takeshi pour l’acteur, Takeshi Kitano pour le réalisateur. Beat Takeshi apparaît dans tous les films de Takeshi Kitano, ainsi que dans Johnny Mnemonic de Robert Longo en 1995, Tokyo Eyes de Jean-Pierre Limosin en 1998, Tabou pour lequel il retrouve Nagisa Oshima en 2000 ou encore Battle royale de Kinji Fukasaku, toujours en 2000. En 2005, il incarne à nouveau un homme violent et charismatique dans un drame signé Yoichi Sai et intitulé Blood and bones : son interprétation couvre 60 années de la vie d’un gangster brutal et solitaire.

Scénariste et acteur principal de ses propres films, Takeshi Kitano le réalisateur se fait connaître par ses polars au style mélancolique et ultra violent bien particulier : Jugatsu (1990), Sonatine (1993) et Aniki, mon frere (2000). Il y compose des personnages mutiques et inquiétants, que son visage à moitié paralysé (à la suite d’un accident de moto en 1994) contribue à rendre plus égnimatiques encore.

Dans cet univers violent, Kitano ménage des plages d’une infinie délicatesse, faisant ainsi se côtoyer le pathétique, la mélancolie et la cruauté la plus extrême. En témoigne Hana-Bi (1997), qui, en plus de lui offrir un Lion d’Or à Venise, l’impose définitivement au plan mondial. Il est également capable de signer des oeuvres débarrassées de toute violence, comme A Scene at the Sea (1992). Il poursuit dans la même veine avec L’Eté de Kikujiro (1999) ou encore le très pictural Dolls inspiré du théâtre de marionnettes japonais bunraku en 2003. La même année, sort Zatoichi, dont l’intrigue se déroule au XIX ème siècle et dans lequel il interprète un excellent samouraï se faisant passer pour aveugle. Un an plus tard il réalise le quasi-autobiographique Takeshis’, dans lequel il montre ses multiples facettes en confrontant deux personnages qu’il incarne lui-même, le premier étant le Takeshi Kitano célèbre, public et le deuxième un sosie qui n’arrive pas à exister dans l’ombre de son célèbre clône.

Au risque de dérouter une partie de son public, Kitano poursuit son travail d’introspection en 2007 avec Glory to the Filmmaker !, présenté Hors Compétition à Venise, où il s’imagine réalisateur en quête du film ultime. Bouclant alors une véritable trilogie, il tourne ensuite Achille et la tortue où il raconte la vie d’un peintre sans talent incapable d’exercer son art. Un film qui a une résonance toute particulière pour Kitano puisqu’il est également peintre à ses heures.

En 2010, avec Outrage, il renoue avec les films de gangsters ou de Yakusas. Il y interprète Otomo, un yakusa particulièrement violent chargé, par son parrain, de tuer un rival auquel il avait pourtant juré une fraternité éternelle.

The post #3 : «Hana-bi»,Takeshi Kitano first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

#1 : «Les contes de la lune vague après la pluie», Kenzi Mizoguchi
#2 : «Maternité Éternelle», Kinuyo Tanaka
#3 : «Hana-bi»,Takeshi Kitano

«Maternité Éternelle», Kinuyo Tanaka

Japan,1955, 1h 51min        entrée : 5€/3€(avec carte d’adhérents ciné club), – 18 ans : entrée libre
                                                                    Une soupe vous est proposée dès 19h00.

Hokkaido, dans le nord du Japon. Fumiko vit un mariage malheureux. Sa seule consolation sont ses deux enfants, qu’elle adore. Un club de poésie devient sa principale échappatoire, et lui permet de se rendre en ville. Elle y retrouve Taku Hori, le mari de son amie Kinuko qui, comme elle, écrit des poèmes. Elle ressent de plus en plus d’attirance pour lui. Mais Fumiko découvre qu’elle a un cancer du sein. Alors que ses poèmes sont publiés, elle doit subir une mastectomie. La jeune femme découvre alors la passion avec un journaliste qui vient la voir à l’hôpital.

Kinuyo Tanaka :Kinuyo Tanaka (1909-1977) fut l’une des plus grandes vedettes du cinéma japonais. Avec une carrière qui commence dans le cinéma muet et qui finit à la télévision, son parcours est un des plus impressionnants de l’âge d’or des studios. En 1953, Kinuyo Tanaka décide de passer derrière la caméra, devenant ainsi la première femme cinéaste d’après-guerre. Son parcours de réalisatrice fut semée d’embûches. L’actrice put néanmoins diriger avec succès six longs-métrages pour différents studios. Lettre d’amour, mélodrame autour d’un amour perdu, La Lune s’est levée, comédie du sentiment amoureux, « à la Ozu », Maternité éternelle, parcours sensible d’une femme debout dans la tourmente, La Princesse errante, fresque spectaculaire tirée d’une histoire vraie, La Nuit des femmes, édifiant récit du retour à la vie d’une jeune prostituée, et Mademoiselle Ogin, flamboyante odyssée amoureuse en costume, sont autant d’inoubliables portraits de femmes, portraits qui témoignent d’une voix singulière dans la grande histoire du cinéma japonais classique.

The post #2 : « Maternité éternelle » Kinuyo Tanaka first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

#1 : «Les contes de la lune vague après la pluie», Kenzi Mizoguchi
#2 : «Maternité Eternelle», Kinuyo Tanaka
#3 : «Hana-bi»,Takeshi Kitano

« Les Contes de la lune vague après la pluie » Kenji Mizoguchi

Japan,1959, 1h 37min        entrée : 5€/3€  (avec carte d’adhérents ciné club), – 18 ans : entrée libre
                                                                    Une soupe vous est proposée dès 19h00.

Genjuro est un potier qui vit dans un petit village de campagne, Omi, au XVIe siècle. Un jour, il part vendre ses pots à la ville en compagnie de Tobei. Quand Genjuro revient à Omi, il a gagné beaucoup d’argent, car la guerre avec l’armée Shibata fait monter les prix. Tobei, quant à lui, s’est engagé avec des samouraïs, mais il rentrera bien vite chez lui, humilié par de vrais guerriers.

Kenji Mizoguchi était un réalisateur japonais né le 16 mai 1898 à Tokyo et décédé le 24 août 1956 à Kyoto. Il est à la fois un pionnier du cinéma nippon, touchant aussi bien au cinéma muet qu’aux films parlants, qu’un des maîtres du 7e art japonais. Il est connu dans le monde entier pour des chefs-d’œuvre tels que La Cigogne en papier (1935), Conte des Chrysanthèmes tardifs (1939) ou encore Les Contes de la Lune vague après la pluie (1953).

The post #1 : « Les Contes de la lune vague après la pluie » Kenji Mizoguchi first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

D’après le roman Moonfleet de John Meade Falkner.

Avec Stewart Granger, George Sanders, Joan Greenwood, Jon Whiteley.

Le jeune John Mohune est envoyé à Moonfleet, lointain village de bord de mer, pour y retrouver Jeremy Fox, un ami de sa mère. Il découvre que Fox est le chef des contrebandiers.

Premier film en Scope de Lang et retour à la MGM pour y tourner un petit film d’aventures avec Stewart Granger, star maison habituée à ce type de rôle. Résultat, dixit Patrick Brion : « Un superbe film de studio. Un pur film d’auteur. » (Frédéric Bonnaud)

Depuis Fury (1936), Fritz Lang n’avait plus tourné dans les studios de la MGM. Seul film dans la carrière du réalisateur tourné en CinemaScope – procédé dont il dit dans Le Mépris que « ce n’est pas fait pour des hommes [mais] pour des serpents ou les enterrements » –, Les Contrebandiers de Moonfleet se démarque de l’exploitation souvent conventionnelle qui en est faite par son utilisation restrictive, voire détournée. Lang y redéfinit sans relâche le cadre. Il réprime, défie ou atténue les étirements horizontaux induits par le procédé en traçant des cercles comme autant de focales plus ou moins fermées. Les hauteurs rendues plus réduites se conforment à un ciel écrasant et une lande aux arbres pliés par le vent. Sur l’écran large aux extrémités souvent plongées dans la pénombre, John Mohune avance à tâtons jusqu’à trouver l’explication rationnelle des mystères et superstitions qui ne s’avèrent que des zones d’ombre sur lesquelles la lumière n’a pas été jetée. Lang s’adapte ainsi magistralement aux contraintes imposées par la MGM pour extraire du scénario un joyau de mise en scène. Néanmoins, à sa sortie en 1955, Les Contrebandiers de Moonfleet est un échec commercial. Le public boude ce qu’il croit être un film de série. Il faudra attendre sa sortie en France en 1960 pour que le film connaisse un succès à la fois critique et populaire.

Mehdi Taïbi La cinémathèque

Fritz Lang : actif de l’aube des années 1920 jusqu’à celle des années 1960, débutant et terminant sa carrière en Allemagne par-delà une longue et fructueuse escale aux États-Unis, Fritz Lang fut un cinéaste total, l’immense architecte des forces invisibles qui se liguent pour faire ployer la condition humaine. Avec Metropolis, Les Contrebandiers de Moonfleet, M le maudit, il a réalisé certaines des œuvres les plus puissantes, à la fois plastiquement et philosophiquement, que compte l’histoire du cinéma. voir Biographie

The post « Les Contrebandiers de Moonfleet  » Fritz Lang first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

Dans un immeuble de New York, une famille est sous pression. Le père, comptable pour la mafia, a parlé à la police et mis ainsi ses proches en danger. Au jeune Phil, il donne le livre dans lequel est consigné tout ce qu’il sait, et l’enfant est confié à Gloria, une voisine. La famille est exécutée, Phil et Gloria s’enfuient. La mafia, avec laquelle Gloria a été très liée, se lance à leurs trousses afin de récupérer le livre et d’éliminer Phil. Les destins de la femme et de l’enfant sont désormais noués, au départ sous la contrainte des circonstances puis, progressivement, par une alliance affective. Gloria défend Phil au péril de sa propre vie, mettant la mafia en échec. Mais le filet se resserre. Au terme d’une suite d’échappées, de confrontations et de tentatives vaines de quitter New York, Gloria va essayer de parlementer avec Tony Tanzini, un ponte de la mafia qui fut son amant. Lorsqu’elle repart, les sbires de Tanzini tirent sur l’ascenseur dans lequel elle s’enfuit. Pendant ce temps, comme convenu, Phil part seul à Pittsburgh. Arrivé à destination, il se rend dans un cimetière pour saluer Gloria, qu’il croit morte. Elle y réapparaît, déguisée en grand-mère. Phil et Gloria s’étreignent.

John Cassavetes (1929-1989)

Fils d’un homme d’affaires grec, il débute sa carrière comme comédien, en 1953. On le remarque dans Face au crime (Don Siegel, 1956), l’Homme qui tua la peur (Martin Ritt, 1957) et Libre comme le vent (Robert Parrish, 1958), mais c’est en rupture complète avec Hollywood qu’il réalise son premier film Shadows. Photographié en extérieurs réels, il porte l’empreinte d’une nouvelle écriture cinématographique : le plan long, débarrassé des ellipses narratives, plié au rythme du langage parlé. Le montage même n’échappe pas à cette règle d’un travail en perpétuelle évolution. Un détail qui a son importance : la musique souligne à merveille le swing de la caméra. Ce premier film devient le porte-drapeau de la nouvelle vague américaine.En 1967, John Cassavetes joue dans The Dirty dozen de Robert Aldrich, puis, en 1968, dans Rosemary’s baby de Roman Polanski. Il revient ensuite à un cinéma artisanal, hors Hollywood. Faces (1968), réalisé sans argent, constitue un de ses chefs-d’œuvre. Reconnu, Cassavetes entre dans une période faste. Il tourne Husbands (1970), la dérive de trois hommes mariés avec Peter Falk et Ben Gazzara ; Ainsi va l’amour (1971), Une femme sous influence (1973) où Gena Rowlands incarne une mère déchirée entre plusieurs rôles. Gloria (1980), un polar tourné à New York, est son plus grand succès public. Gena Rowlands y interprète une comédienne ratée et traquée par la Mafia. Meurtre d’un bookmaker chinois (1976), dans la même veine, met en scène Ben Gazzara en propriétaire d’une boîte de strip-tease dans un Los Angeles hanté par des tueurs. Après Opening Night (1978), réflexion pirandellienne sur le théâtre ou la vie, Cassavetes reçoit la consécration pour Love Streams (1983). Adapté d’une pièce de théâtre, le film dresse un bilan du couple Cassavetes-Rowlands. Le cinéaste y développe ses thèmes traditionnels : la mort, la folie, la solitude. Il meurt brutalement en 1989.

The post « Gloria » John Cassavetes first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

Turquie, 2015, 1h33            entrée: 5€/3€ , – 18 ans: entrée libre  (carte d’abonnement)

C’est le début de l’été.

Dans un village reculé de Turquie, Lale et ses quatre sœurs rentrent de l’école en jouant avec des garçons et déclenchent un scandale aux conséquences inattendues. La maison familiale se transforme progressivement en prison, les cours de pratiques ménagères remplacent l’école et les mariages commencent à s’arranger. Les cinq sœurs, animées par un même désir de liberté, détournent les limites qui leur sont imposées.

« Ce film plein de colère, mais enrobé dans un emballage acidulé, balaie tout le spectre de la violence patriarcale, du symbolique au criminel. Jouant la drôlerie bravache, il dénote chez son auteur une intelligence aiguisée, doublée d’un grand pouvoir de séduction. » (Isabelle Régnier – Le Monde)

Deniz Gamze Ergüven

Née à Ankara en 1978, Deniz Gamze Ergüven a, dès l’enfance, un parcours cosmopolite marqué par de nombreux aller-retours entre la France, la Turquie puis les États-Unis. Cinéphile compulsive, elle intègre le département Réalisation de la Fémis à Paris en 2002 après un diplôme de Lettres et une maitrise d’Histoire africaine à Johannesburg. Son film de fin d’études, « Bir Damla Su » (« Une goutte d’eau », 2006) est sélectionné à la Cinéfondation du Festival de Cannes et récompensé au Festival International de Locarno (section Léopards de demain). S’ouvrant sur l’image d’une femme voilée faisant une bulle de chewing- gum, le court-métrage raconte la tentative d’émancipation d’une jeune turque (interprétée par Deniz elle-même) en rébellion contre le patriarcat et l’autoritarisme des hommes de sa communauté. À sa sortie de la Fémis, Deniz Gamze Ergüven développe un premier projet de long-métrage situé durant les émeutes du Sud de Los Angeles en 1992. Intitulé « Kings », lauréat d’Émergence, de l’Atelier de la Cinéfondation, ainsi que du Sundance Screenwriter’s Lab, le projet est finalement mis de côté au profit de Mustang co-écrit avec Alice Winocour à l’été 2012. Récit d’une libération, le film pose un regard fort et féminin sur la Turquie contemporaine. Deniz Gamze Ergüven l’a tourné tout au nord de la Turquie, dans la région d’Inébolu, à 600 km d’Istanbul. En 2016, elle remporte le César du meilleur premier film et du meilleur scénario pour son film Mustang.

The post « Mustang » de Deniz Gamze Ergüven first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

  Grande-Bretagne, 1984, 1h53         entrée : 5€/3€ -18 ans : entrée libre (+ carte d’adhérent)

1984. Le monde est divisé en trois régions en guerre perpétuelle. L’Océania est gouvernée par un pouvoir dictatorial dirigé par Big Brother, dont on doute parfois de l’existence réelle. Matériellement, la vie est misérable. Mentalement, les individus sont sous contrôle permanent. Winston, un obscur fonction- naire, cherche à désobéir…

En 1984, M. Radford adapte le roman de G. Orwell, 1984, satire implacable des régimes totalitaires apparus dans la première moi- tié du XXe siècle. Le film, presque toujours dans des teintes sombres ou grises, nous montre un État soumis à l’emprise d’un parti unique qui peut conditionner, surveiller, condamner, torturer la population grâce à des technologies perfectionnées : ainsi 24h sur 24 la télévision diffuse une propagande, mais ses télécrans observent chacun en particulier. Un classique vision- naire de la littérature politique devenu le symbole de la dénonciation d’une société répressive, liberticide, sous surveillance et où la vérité est sans cesse manipulée.

Critique du film : DVDClassik

Michael Radford

Scénariste, réalisateur et producteur américain, Radford a étudié la philosophie à Oxford puis il a enseigné. Il a ensuite réalisé des documentaires pour la télévision. Il a remporté de nombreux prix dans les festivals internationaux avec son premier film: Another time, another place. Il a réalisé une adaptation du roman de George Orwell, 1984, où Richard Burton a tenu son dernier rôle à l’écran. Sur la route de Nairobi, lui a apporté la reconnaissance critique. Le Facteur a été son plus grand succès.

The post Ciné Club : « 1984 » de Michael Radford first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

 Allemagne, Italie,  France,1986, 2h11  entrée : 5€/3€  (avec carte d’adhérents ciné club)

Au XIVe siècle, on découvre le cadavre d’un moine dans une abbaye. Un franciscain enquête… Trognes à la Bruegel, angoisse, superstitions, labyrinthe à la Borges, d’après Umberto Eco. Magnifiquement mis en scène.
En l’an 1327, dans une abbaye bénédictine du nord de l’Italie, le moine franciscain Guillaume de Baskerville, accompagné du jeune novice Adso, vient enquêter sur des morts mystérieuses qui frappent la confrérie. Le secret semble résider dans la bibliothèque, où le vieux Jorge de Burgos garde jalousement un livre jugé maudit.

Sean Connery  : Guillaume de Baskerville
Christian Slater  : Adso de Melk
Helmut Qualtinger : Remigio de Varagine
Elya Baskin  : Severin de Sant’Emmerano
Michael Lonsdale  : l’abbé
Volker Prechtel  : Malachie de Hildesheim
Feodor Chaliapin J^r : Jorge de Burgos, ex-bibliothécaire de l’abbaye
William Hickey  : Ubertin de Casale
Michael Habeck : Bérenger d’Arundel
Urs Althaus : Venantius de Salvemec
Valentina Vargas : « la fille »
Ron Perlman : Salvatore
Leopoldo Trieste : Michel de Césène
Franco Valobra : Jérôme de Kaffa
Vernon Dobtcheff  : Hughes de Newcastle
Donald O’Brien : Pietro d’Assisi
Andrew Birkin : Cuthbert de Winchester
F. Murray Abraham : Bernardo Gui
Lucien Bodard  : le cardinal Bertrand du Pouget
Peter Berling : Jean d’Anneaux
Pete Lancaster : l’évêque d’Alborea
Dwight Weist (VF : Claude Rich[réf. souhaitée]) : Adso vieux (le narrateur)
Gianni Rizzo : l’envoyé papal
Lars Bodin-Jorgensen : Adelme d’Otrante

Jean Jacques Annaud

Jean-Jacques Annaud est mondialement reconnu pour son œuvre et ses défis cinématographiques. Il compte parmi les rares réalisateurs européens forts d’une carrière internationale de plus de 5 décennies. Né en 1943, il débute à la fin des années 1960 en réalisant plus de 400 films publicitaires en Afrique et en France, dont de nombreux seront couronnés dans les grands festivals. Dès son premier long-métrage (La victoire en chantant, tourné en Côte d’Ivoire et lauréat de l’Oscar du meilleur film en langue étrangère à Hollywood en 1977), il développe un indéfectible attrait pour les cultures du monde.

Après un film français devenu culte dans son pays (Coup de tête, 1979), il s’installe au Kenya, en Ecosse et au Canada pour y tourner La guerre du feu qui le consacre sur le plan international (Césars du Meilleur Film et du Meilleur Réalisateur 1981). Il dirige ensuite Sean Connery dans les décors italiens et les monastères allemands de Le Nom de la rose (1986, César du Meilleur film étranger et David Di Donatello de la meilleure direction artistique), d’après le roman éponyme d’Umberto Eco. Le metteur en scène triomphe à nouveau quelques années plus tard en adoptant le point de vue de L’Ours (1988, César du Meilleur réalisateur) au cœur des paysages choisis des Dolomites, d’Allemagne, du Canada et d’Autriche. Il tourne ensuite L’amant (1992) au Vietnam, l’adaptation du roman autobiographique de Marguerite Duras, dont il restitue avec brio l’atmosphère de l’Indochine coloniale. Puis il repart vers les Rocheuses canadiennes pour y tourner le premier film de fiction en relief jamais réalisé en Imax-3D (Guillaumet, 1995).

Quelques années plus tard, Jean-Jacques Annaud emmène Brad Pitt aux confins de l’Himalaya afin de mettre en scène Sept ans au Tibet (tourné en Argentine, au Canada, au Tibet, au Népal et au Tyrol). En 2001, il réunit Jude Law et Ed Harris dans l’enfer de la célèbre bataille de Stalingrad, intégralement reconstituée en Allemagne. Il s’envole peu après vers les ruines des temples d’Angkor pour y faire vivre Deux Frères (2004) dont le tournage s’est déroulé entre Cambodge, Thaïlande et France. Le cinéaste s’attache alors à faire renaitre la Grèce antique (Sa Majesté Minor, 2007, tourné en Espagne) puis l’Arabie de la fin des années 1930, en dirigeant Antonio Banderas entre Tunisie et Quatar dans Or Noir (2011).

Il adapte en 2015 Le Dernier Loup, un phénomène littéraire chinois entièrement réalisé en Mongolie Intérieure. Triomphe planétaire, ce film remporte les récompenses cinématographiques chinoises les plus prestigieuses (Prix des Cent Fleurs et Coq d’Or) et une dizaine d’autres trophées à travers le monde. En 2018, Jean-Jacques Annaud dirige Patrick Dempsey au Canada dans son adaptation en dix épisodes pour le petit écran du best-seller de Joël Dicker, La vérité sur l’affaire Harry Québert. Il signe également cette même année son autobiographie Une vie pour le cinéma, co-écrite avec Marie-Françoise Leclère, parue aux éditions Grasset et Fasquelle.

The post « Le nom de la rose » de Jean-Jacques Annaud first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

Inde, 1958, 1h 40min   entrée : 5€/3€  (avec carte d’adhérents ciné club)

Le Bengale dans les années 20. Biswanbhar Roy, aristocrate et grand propriétaire terrien a passé l’essentiel de sa vie à assouvir sa passion pour les fêtes musicales, les concerts donnés dans le salon de musique de son palais, devant un public d’amis, par des musiciens, des chanteurs, des danseuses. Cette passion l’a ruiné, alors que dans le même temps son voisin Mhim Ganguli, bourgeois et nouveau riche, prospérait et cherchait également à rivaliser avec lui sur le plan musical. Peu à peu, Roy s’est enfoncé dans la contemplation passive et nostalgique de sa propre décadence. Après la mort accidentelle de sa femme et de son fils dans le naufrage d’un bateau lors d’une tempête, il a fermé son salon de musique. Quatre ans plus tard, il le rouvre pour un dernier concert dans lequel il engloutit ses dernières ressources, mais qui lui procure le plaisir suprême d’humilier son rival, Ganguli.

Chhabi Biswas : Huzur Biswambhar Roy
Padma Devi : Mahamaya, la femme de Roy
Pinaki Sengupta : Khoka, le fils de Roy
Gangapada Basu : Mahim Ganguly
Tulsi Lahiri : l’intendant
Waheed Khan : Ustad Ujir Khan, chanteur
Roshan Kumari : Krishna Bai, danseuse
Begum Akhtar : Durga Bai, chanteuse

Satyajit Ray est né en 1921 à Calcutta. D’abord graphiste, il devint rapidement cinéaste et obtint en 1955 un prix au Festival de Cannes avec son premier film, Pather Panchali. Parallèlement à son œuvre cinématographique reconnue internationalement, il fit revivre Sandesh, le journal pour enfants fondé par son grand-père, et y publia plusieurs romans en bengali, dont la plupart devinrent des best-sellers. La série des Aventures de Félouda en fait partie. Satyajit Ray est mort à Calcutta en 1992.

The post « Le Salon de musique » de Satyajit Ray first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.

« Cinema paradiso » de Giuseppe Tornatore

Italie, France, 1989,1h 58min
Entrée : 5 € / 3 € (avec carte d’adhérents ciné club)

À Rome, à la fin des années 1980, Salvatore vient d’apprendre la mort de son vieil ami Alfredo. Par cette nouvelle, c’est toute son enfance qui remonte à la surface : son village natal, en Sicile, quand on l’appelait Totò et qu’il partageait son temps libre entre l’église (où il était enfant de chœur) et la salle de cinéma paroissiale, où régnait Alfredo, le projectionniste qui, au travers des films qu’il projetait, lui apprenait la vie.

Philippe Noiret : Alfredo
Salvatore Cascio  : Salvatore « Totò » enfant
Marco Leonardi : Salvatore adolescent
Jacques Perrin : Salvatore adulte
Leopoldo Trieste : le père Adelfio
Antonella Attili  : Maria

Pupella Maggio  : Maria âgée
Enzo Cannavale : Spaccafico
Isa Danieli : Anna
Leo Gullotta  : Usher
Tano Cimarosa : le forgeron
Nicola Di Pinto : l’idiot du village
Roberta Lena  : Lia
Nino Terzo  : le père de Peppino

Giuseppe Tornatore

Giuseppe Tornatore (Bagheria, 1956) débute par des documentaires notamment pour la télévision. Après sa première réalisation, Il camorrista (1985, Le maitre de la camorra), il connait un énorme succès avec Nuovo Cinema Paradiso (1988, Cinema Paradiso), Grand prix du jury à Cannes en 1989 et Oscar du meilleur film étranger en 1990. Il alterne les histoires siciliennes – L’uomo delle stelle (1995, Marchand de rêves) ; Malena (2000) ; Baarìa, 2009 – et des films qui changent de cadre – Stanno tutti bene (1990, Ils vont tous bien); Une pure formalité (1994); La sconosciuta (2006, L’inconnue). Quinze ans après La leggenda del pianista sull’oceano (La Légende du pianiste sur l’océan, 1998), il tourne La migliore offerta (The Best Offer, 2013) de nouveau en anglais avec des comédiens internationaux. En 2021 il nous livre un merveilleux roman cinématographique sur la vie et l’œuvre d’Ennio Morricone avec Ennio.

The post « Cinema paradiso » de Giuseppe Tornatore first appeared on 20 000 Docs sur la Terre.